Bellong Bellong Now is an art and cultural festival, organized by a group of young international creators to explore a sustainable future for Korea’s Jeju Island. “Bellong Bellong” means “Twinkle Twinkle” in Jeju dialect, and we focus on four contemporary themes relating to sustainability that concern Jeju today: The Environment, Heritage, Ecology of Art and Culture, and Education (the Next Generation
Program Schedule: 22 Oct 2020 to 25 Oct 2020
- Hosted by Sleepers Summit Corporation
- Sponsored by Arts Council Korea
- Supported by AB Rogers Design
- In partnership with Place Camp Jeju
Tamnalok
‘Tamnalok’ is an artistic exploration of Jeju’s unique folktales in the Jeju regional dialect that are becoming forgotten and disappearing from our lives.* The term Tamnalok is a combination of Tamna, the kingdom that ruled Jeju island in ancient times and lok, a sino-Korean word that means ‘record’; it is also the title of a collection of poetry written in 1764 by Shin Gwangsu
- Remembering the Jeju Dialect
The artist in this exhibition is Yeni Kim, an illustrator and designer based in Seoul and London, who has created several large-format pop-up books that interpret and visualize the Jeju dialect through workshops. In this artwork, she has tried to record the Jeju dialect in the form of art to help us all remember this disappearing language and pass it onto the next generation. She worked with a Jeju dialect expert and haenyeo (female divers) to collect regional expressions; the work will be shared with children from Hamduk Elementary School in Jeju.
- Artist: Yeni Kim
- Exhibition held from 22 Oct to 25 Oct, to be on permanent display afterwards
- Location: Haenyeo Museum
- Remembering Jeju Folktales
This work is an audio-visual collaborative work by Bongsu Park, a media artist and Haihm, an electronic musician. The exhibition offers an experience of a space filled with visual and sound art. In the light of the Covid-19 situation, we will undertake strict safety measures for this exhibition, including regular sanitization and distancing between visitors.
- Artist: Bongsu Park & Haihm
- Exhibition held from 22 Oct to 24 Oct, to be released online afterwards
- Location: Place Camp Jeju (Activity Plus Lounge)
Yin & Yang
‘Yin & Yang’ is a revitalization project based in a local community in Jeju. Artists Kidai Kim, Woody Kim and Sun-Young Chon and architect Maximiliano Arrocet will creatively reimagine abandoned shelters as bright, energetic and eco-friendly places.The artists explore the originality of some of the abandoned houses in the Gujwa-eup district and try to rekindle what they used to mean to the local people. The result will be an artistic space that tells the story of people’s lives in the past and in the present.
- Artists: Kidai Kim, Woody Kim and Sun-Young Chon and architect Maximiliano Arrocet
- Exhibition to be held from 22 Oct to 25 Oct, to be released online afterwards
- Location: two abandoned houses at Gujwa-eup, Jeju
1) 32-1 Pyeongdari, Gujwa-eup, Jeju-si
2) 1428 Handongri, Gujwa-eup, Jeju-si
from Jeju to Jeju
This project focuses on how the problem of waste can be addressed in Jeju from an artistic perspective. Jeju is confronting a serious issue of waste, as its population and the number of visitors have increased dramatically in the past few years. Also, it has to dispose of a large volume of ocean waste that arrives from other countries nearby. Using rubbish found on the shore, artist Yangkura and architect Maria Glionna will create a mobile building which will be used for a performance with them and participants. Afterwards, it will be presented for public display for a limited period.
* the performance schedule may be viewed at the official Sleepers Summit website soon
- Artist: Yangkura & Maria Glionna
- Exhibition will be held from 22 Oct to 25 Oct, and will be released online or video archived (360-degree video)
Wang Bwang Gap Seo – “Come and Have a Look”
‘Wang Bwang Gap Seo’ means ‘come and have a look” in the Jeju dialect. This is a flea market project conceived by local artists, eco-friendly companies, social enterprises and local people to help boost Jeju’s sustainability. It is different from other flea markets, as it will be filled with art, and showcase products and projects by local people, rather than simply offering an opportunity to exchange goods for money. Hopefully everyone will be inspired by sharing this unique experience.
- Held on 24 Oct (Saturday)
- Location: Place Camp Jeju
Sleepers Summit
Sleepers Summit’ is a global conference for international culture and art professionals to share their ideas about contemporary issues in five areas: the Environment, Heritage, the Ecology of Culture and Art, Education (the next generation) and Jeju island. Professionals in each of these areas will share their thoughts and ideas about global trends and future prospects for sustainability. Through intense discussion, we aim to find new possibilities and develop opportunities for navigating the post-Covid-19 contemporary cultural landscape.
- Keynote Presentations: Christophe Gaudin, Steve M. Choe, Kidai Kim, Yangkura, Bongsu Park and Haihm
- Held on 23 Oct (Friday)
- Location: Haenyeo Museum
(Questionnaires for the discussions should be submitted through the official Sleepers Summit website)
Staffs
- Executive producer: Stephanie Seungmin Kim
- Created by: Yeony Do / Yunji Jo
- Media & Video: Kyung Ah Lee
- Advisor: Steve M. Choe
Participating Artists (Alphabetical order)
- Maximilliano Arrocet
- Sun-yeong Cheon
- Maria Glionna
- Kidai Kim
- Yeni Kim
- Woody Kim
- Bongsu Park
- Yangkura
Artist Advisory
- Haihm
- Christophe Gaudin
Jeju Curation
The Bellong Bellong Now festival is a celebration of local culture. So we encourage visitors to feel they are really in Jeju by experiencing Jeju culture in Jeju. The Jeju Experience Map (with QR codes) shows selected food and entertainment locations in Jeju.
Tamnalok
‘Tamnalok’ is an artistic exploration of Jeju’s unique folktales in the Jeju regional dialect that are becoming forgotten and disappearing from our lives.* The term Tamnalok is a combination of Tamna, the kingdom that ruled Jeju island in ancient times and lok, a sino-Korean word that means ‘record’; it is also the title of a collection of poetry written in 1764 by Shin Gwangsu
- Remembering the Jeju DialectThe artist in this exhibition is Yeni Kim, an illustrator and designer based in Seoul and London, who has created several large-format pop-up books that interpret and visualize the Jeju dialect through workshops. In this artwork, she has tried to record the Jeju dialect in the form of art to help us all remember this disappearing language and pass it onto the next generation. She worked with a Jeju dialect expert and haenyeo (female divers) to collect regional expressions; the work will be shared with children from Hamduk Elementary School in Jeju.
Pop up book by Yeni Kim
- Artist: Yeni Kim
- Exhibition held from 22 Oct to 25 Oct, to be on permanent display afterwards
Location: Haenyeo Museum
Remembering Jeju Folktales
This work is an audio-visual collaborative work by Bongsu Park, a media artist and Haihm, an electronic musician. The exhibition offers an experience of a space filled with visual and sound art. In the light of the Covid-19 situation, we will undertake strict safety measures for this exhibition, including regular sanitization and distancing between visitors.
- – Artist: Bongsu Park & Haihm
- – Exhibition held from 22 Oct to 24 Oct, to be released online afterwards
- – Location: Place Camp Jeju (Activity Plus Lounge)
- Pop up book by Yeni Kim
Yin & Yang
‘Yin & Yang’ is a revitalization project based in a local community in Jeju. Artists Kidai Kim, Woody Kim and Sun-Young Chon and architect Maximiliano Arrocet will creatively reimagine abandoned shelters as bright, energetic and eco-friendly places.The artists explore the originality of some of the abandoned houses in the Gujwa-eup district and try to rekindle what they used to mean to the local people. The result will be an artistic space that tells the story of people’s lives in the past and in the present.
- – Artists: Kidai Kim, Woody Kim and Sun-Young Chon and architect Maximiliano Arrocet
- – Exhibition to be held from 22 Oct to 25 Oct, to be released online afterwards
– Location: two abandoned houses at Gujwa-eup, Jeju- 1) 32-1 Pyeongdari, Gujwa-eup, Jeju-si
2) 1428 Handongri, Gujwa-eup, Jeju-si
- 1) 32-1 Pyeongdari, Gujwa-eup, Jeju-si
From Jeju to Jeju
-
- This project focuses on how the problem of waste can be addressed in Jeju from an artistic perspective. Jeju is confronting a serious issue of waste, as its population and the number of visitors have increased dramatically in the past few years. Also, it has to dispose of a large volume of ocean waste that arrives from other countries nearby. Using rubbish found on the shore, artist Yangkura and architect Maria Glionna will create a mobile building which will be used for a performance with them and participants. Afterwards, it will be presented for public display for a limited period.* the performance schedule may be viewed at the official Sleepers Summit website soon
- – Artist: Yangkura & Maria Glionna
- – Exhibition will be held from 22 Oct to 25 Oct, and will be released online or video archived (360-degree video)
- Wang Bwang Gap Seo – “Come and Have a Look”
- ‘Wang Bwang Gap Seo’ means ‘come and have a look” in the Jeju dialect. This is a flea market project conceived by local artists, eco-friendly companies, social enterprises and local people to help boost Jeju’s sustainability. It is different from other flea markets, as it will be filled with art, and showcase products and projects by local people, rather than simply offering an opportunity to exchange goods for money. Hopefully everyone will be inspired by sharing this unique experience.
- – Held on 24 Oct (Saturday)
- – Location: Place Camp Jeju
- Sleepers Summit
- ‘Sleepers Summit’ is a global conference for international culture and art professionals to share their ideas about contemporary issues in five areas: the Environment, Heritage, the Ecology of Culture and Art, Education (the next generation) and Jeju island. Professionals in each of these areas will share their thoughts and ideas about global trends and future prospects for sustainability. Through intense discussion, we aim to find new possibilities and develop opportunities for navigating the post-Covid-19 contemporary cultural landscape.
- – Keynote Presentations: Christophe Gaudin, Steve M. Choe, Kidai Kim, Yangkura, Bongsu Park and Haihm
- – Held on 23 Oct (Friday)
– Location: Haenyeo Museum
(Questionnaires for the discussions should be submitted through the official Sleepers Summit website)
Staffs
n Executive producer: Stephanie Seungmin Kim
n Created by: Yeony Do / Yunji Jo
n Media & Video: Kyung Ah Lee
n Advisor: Steve M. Choe
Participating Artists (Alphabetical order)
n Maximilliano Arrocet
n Sun-yeong Cheon
n Maria Glionna
n Kidai Kim
n Yeni Kim
n Woody Kim
n Bongsu Park
n Yangkura
Artist Advisory
n Haihm
n Christophe Gaudin
Jeju Curation
The Bellong Bellong Now festival is a celebration of local culture. So we encourage visitors to feel they are really in Jeju by experiencing Jeju culture in Jeju. The Jeju Experience Map (with QR codes) shows selected food and entertainment locations in Jeju.
최근 미국 미네소타주에서 경찰의 과잉 진압으로 비무장 상태의 흑인 남성 조지 플로이드가 사망하였다. 그리고 이 사건에 항의하여 미국 전역을 넘어 전 세계적으로 인종차별에 반대하는 시위가 일어났다. 이에 프란치스코 교황은 “어떤 종류의 인종차별도 용납할 수 없다.”라고 말하며 유감을 표시했다.
그리고 나는 저 ‘어떤 종류’라는 말에서, 명백하게 인종차별을 위한 예술이었다고 생각하는 한 쇼를 떠올렸다.
영국에서 석사 공부를 할 당시, ‘Radical Performance’ 과목을 수강한 적 있다. 깊이 있는 토론을 요구하는 수업이기에 적은 수로 정원을 한정 지어 처음에는 수강신청에 실패했었다. 그리고 교수님께 제발 이 수업 좀 듣게 해달라고 조르고 졸랐는데, 그때 마침 다른 수업으로 옮기는 친구가 있어 나는 이 수업을 수강할 수 있게 되었다. 교수님은 이후에도 내가 이 과목에 대해 엄청난 열정이 있는 줄 아셨지만, 사실 나는 차선책이었던 수업에 내가 직접 연기를 하고 평가받는 시험이 있다는 걸 알게되었고 꼭 그 수업을 피하고 싶었었다. 내 연기는 정말이지.. 하지만, 결과적으로 이 수업은 정말 최고 수업이었다.
한 번은 공연의 ‘Race and Ethnicity(인종과 민족)’이라는 주제를 다룬 적 있다. 그리고 그날의 발제자는 흑인 영국인 친구였다. 그 친구는 한참 동안 얼마나 많은 예술과 문화에 인종차별적 요소가 있었는지 설명을 하고, 한 아카이브 영상을 보여주었다. 그 영상은 ‘민스트럴 쇼(Minstrel Show)’였다. 처음 이 쇼를 보았을 때 감정은 역겨웠던 것 같다. 처음에 이 표현이 조금 과하다고 생각돼 순화하려고 했지만, 저 표현이 그때의 나의 감정과 가장 가깝다.
민스트럴 쇼는 미국의 남북전쟁 후로 등장한 쇼로, 백인들이 블랙페이스 분장을 한 채 미국 남부에 살던 아프리카계 미국인인 흑인들의 춤과 노래를 연기하였던 쇼다. 이 쇼는 1830년에 시작된 것으로 추정되고, 1850년에서 1870년에는 가장 미국적이고 대중적인 극이라고 불릴 정도로 엄청난 인기를 끈 엔터테인먼트 쇼였다.
앞서 언급한 블랙페이스는, 이미 한국에서도 몇 차례 논란이 된 바가 있어 익숙한 단어 일 것이다. 블랙페이스는 비 흑인이 흑인의 얼굴로 분장한 것을 말한다. 주로 이 분장은 석탄과 구두약으로 태운 코르크 등을 이용하여 눈썹을 그리거나 얼굴을 까맣게 칠하고, 입술을 두껍고 붉게 과장하며 인종적인 신체 특징을 희화화하는 데 사용되었다.
혹자는 민스트럴 쇼가 시대 상 흑인들이 무대 위에 올라설 수 없었기에, 흑인 분장은 흑인들을 극에 등장시키기 위한 대안이라고 말하기도 하고, 또 역설적으로 사회 비판적 요소로 볼 수도 있지 않냐는 주장도 한다. 하지만, 이 콘텐츠 안에서 흑인들은 여전히 노예로 묘사되거나 조롱의 대상이었기에, 개인적으로 동의하기 어렵다. 또, 흑인이 무대 위에 서기 시작했을 때도 민스트럴 쇼 무대에 등장하기 위해서는 흑인 조차 더 검게 보이기 위해 분장을 시켰다고 하니, 이 주장을 설득시키기 위해서는 뒷받침이 더 필요하다고 생각한다.
민스트럴 쇼 안의 흑인의 모습은 앞서 말한 우스꽝스러운 분장 외에도 억척스럽고, 게으르며, 멍청하고, 시도 때도 없이 거짓말을 치지만, 언제나 웃고 있는 표정을 짓는 캐릭터로 표현되었다. 또, 모자를 씌우고, 옷은 자신의 몸보다 더 큰 턱시도를 입히거나 촌스러운 옷을 입히는 등 그 당시 지배 계층이 생각하는 흑인에 대한 고정관념을 입혀 이미지화시켰다.
2018년 차일디쉬 감비노(Childish Gambino)의 This is America를 기억 하는가? 나는 그 해에 벨기에에서 열리는 투모로우 랜드 페스티벌을 간 적 있는데, 그 3일 동안 가장 많이 플레이된 트랙은 이 곡 일거라고 생각할 정도로 여기저기서 많이 흘러나오고 엄청난 인기를 얻었던 곡으로 기억한다. (이후에 조사해보니, 그 페스티벌에서 가장 많이 플레이된 곡은 Fisher의 losing it이었다.) 아무튼 이 This is America에서도 민스트럴 쇼의 모습을 찾을 수 있다.
차일디쉬 감비노는 뮤직비디오의 한 장면에서 다소 어색해 보이는 포즈를 취했다. 이는 과거에 민스트럴 쇼 안에 나온 ‘짐 크로우(Jim Crow)’라는 캐릭터를 패러디한 것이다. 짐 크로우는 가장 인기 있었던 민스트럴 쇼의 극작가이자 퍼포머, 토마스 다트머스 라이스 (Thomas Dartmouth Rice)가 쓴 쇼의 주인공이다.
짐 크로우는 미국 남부 농촌 사투리를 쓰고 엉덩이를 쑥 빼고 한쪽 다리를 살짝 절룩이며 우스꽝스러운 모습을 보이는 캐릭터이다. 짐 크로우가 나오는 토마스 다트머스 라이스의 ‘점프, 짐 크로우(Jump, Jim Crow)’는 뉴욕 극장에서 엄청난 흥행 성적을 냈고 투어 공연으로 인기 몰이를했다. 그리고 이 이름은 차츰 민스트럴 쇼에 등장하는 중요 인물인 동시에 부정적인 흑인을 묘사하는 대명사로 사용되었다. 이후 모든 공공기관 및 장소에서 인종간 합법적인 분리를 허가한 ‘짐 크로우 법(1876-1965)’에 인용되기도 했다.
가장 인종차별적인 이 쇼는 슬프게도 엄청난 인기를 끈 대중적 쇼였기 때문에, 영향을 받은 공연과 음악 장르들이 많다. 초기의 재즈의 형성에 간접적인 영향을 주었고, 뮤지컬의 특히 레뷰(다양한 춤, 노래, 풍자적 코미디를 엮은)의 뿌리에 상당한 영향을 주었다고 한다. 그리고 우리가 잘 아는 ‘켄터키의 옛집’, ‘오! 수잔나’, ‘스와니 강’등의 미국 민요도 고향을 그리워하는 아름답고 슬픈 선율과 가사를 가지고 있지만, 사실 시작은 민스트럴 쇼의 라인의 하나로 사용되기 위해 작곡되었다.
https://www.youtube.com/watch?v=C6fFhstjZPM&feature=youtu.beBBC의 The black and white minstrel show
인권에 대한 질문들과 의식이 성장하면서 1920년쯤 민스트럴 쇼는 대부분 중단됐다고 한다. 그래서 나는 이 쇼는 부끄러운 역사의 하나로 남았을 거라 생각했다. 하지만, 영국의 공영방송인 BBC에서는 ‘The black and white minstrel show’라는 이름으로 1958년부터 다시 이 민스트럴 쇼를 진행했고, 약 1,650만명이 시청할 정도로 다시 한번 인기를 얻어 21년 동안 장수 한 프로그램으로 남았다고 한다. 그리고 이 프로그램 또한 많은 논란과 함께 폐지되었는데, 이 때 한 연출가는 ‘민스트럴 쇼는 누군가에게 향수이고 이 또한 전통이라고 할 수 있으니 악의적 의도가 없다면 괜찮지 않나?’라고 언급하기도 했다.
https://www.youtube.com/watch?v=5nf9SkLYrWU&feature=youtu.be1930년 방영된 Spanky의 일부분, 아역배우가 블랙페이스 분장을 하고 연기하는 장면
내가 살아보지 못한 인생을 공감하고 이해하는 건 언제나 조심스럽다. 따라서 이 글을 위해 평소와 같은 방법의 리서치에 추가로 인터뷰를 많이 찾아보았다. 한 영상 인터뷰에서는 과거의 민스트럴 쇼가 아카이빙 된 영상을 보며 토론을 하는데, 한 흑인 패널이 자신은 그 영상을 보고 싶지 않다며 고개를 돌리는 모습이 담겨있었다. 그리고 나는 흑인 당사자들에게 민스트럴 쇼의 흔적은 분노를 넘어 두려움을 느끼게 하는 대상일 수도 있겠다는 생각을 했다. 정말 누군가에게 직접적인 상처이고 명백히 문제있는 이 유산을, 향수를 위해 꺼내와 반복해야 하는 걸까?
전문가들은 민스트럴 쇼의 기능(?)을 설명할 때 ‘entertain’과 ‘comedy’라는 말을 공통적으로 자주 언급했다. 이 단어들은 이번 맥락에서 사람들에게 진정한 기쁨이나 위로 그리고 행복을 주는 느낌이라기보다는 해학이나 유머의 기능을 했다는 해석을 할 수 있을 것 같다. 그럼 왜 사람들은 민스트럴 쇼에 웃었고, 가장 인기가 있는 대중 쇼로 언급될 정도로 열광했었을까?
다양한 관점으로 분석해 볼 수 있겠지만, 이 경우 철학자 토마스 홉스(Thomas Hobbs)의 ‘웃음의 우월 이론 (Superiority theory of humor)’이 가장 적용하기 좋지 않을까 싶다. 이 이론은 코미디의 해학과 웃음을 위해 빼놓을 수 없는 이론인데, 인간은 다른 사람의 불완전함을 보며 우월감을 느끼고 편안하다고 생각하며 더불어 자기 만족감 (Self-glorification)까지 느낀다는 이론이다. 즉, 민스트럴 쇼는 흑인이라는 집단을 불완전한 존재 또는 열등한 존재로 이미지화하였고, 관객들은 그 안에서 우월감과 만족감을 얻었던게 아닐까? 정도로 적용 시켜볼 수 있을 것 같다.
코미디에서 사용하는 이 이론과 요소 자체를 비난하기는 어렵다. 하지만, 오락을 위해 누가 봐도 특정 집단을 떠올리도록 유도하고 인종차별적 고정관념을 사용하며 조롱하는 민스트럴 쇼의 이 방법은 옳지 않다. 그리고 이런 역사가 반복되지 않도록 하기 위해서는 콘텐츠 제작자의 노력도 필요하지만, 소비자 입장에서도 올바른 인식을 가지고 있어야 한다고 생각한다.
인종은 우월을 판단할 수 있는 개념이 아니다. 따라서, 인종적으로 우월감을 느끼거나 웃을 이유가 전혀 없다. 앞으로 적어도 나와 이 글을 읽는 당신은, 누군가가 블랙 페이스를 사용하거나 민스트럴 쇼와 같이 차별적인 해학 콘텐츠를 제공할 때 웃지 말자. 그리고 불편함을 느끼자. 의식적으로 서로에 대한 존중과 올바른 인식에 대한 관심을 갖는다면, 우리가 존중하자고 외치는 ‘다양성’은 생각보다 거창한 개념이 아닐 수 있다.
조윤지 문화 기획자/프로그래머, 슬리퍼스 써밋
우리 역사 속 기억 상자를 찾다 – 한국 역사 속 인포그래픽과 이미지
방대한 정보가 흘러넘치는 지금, 보는 이들의 흥미를 자극하면서도 직관적인 전달력을 부여할 수 있는 시각화 방법인 인포그래픽을 얼마나 잘 활용하느냐에 따라 정보의 가치는 달라진다
수많은 정보들 중 코로나 19 바이러스에 대한 정보가 유독 눈에 들어오고, 오래 기억에 남는 정보의 시각화를 선보인 사례들을 보며, 문뜩 ‘누군가가 수십 년 후에 이 이미지를 보며 우리의 삶을 해석하지 않을까’ 하는 궁금증이 생겨났다.
우리는 과거의 인포그래픽과 시각화된 이미지들을 보며 선조들의 모습을 유추해왔고, 서양에서는 많은 오래된 인포그래픽 사례들이 역사적 중요성을 인정받아 분석되어 왔다. 그렇다면 우리 역사 속에선 어떤 사례들을 찾아볼 수 있을까?
2편. 우리 역사 속 기억 상자를 찾다
– 한국 역사 속 인포그래픽과 이미지
잠깐! 2편을 시작하시기 전에 1편 ‘마구 쏟아지는 정보를 단단하게 정리해둔 인포그래픽과 이미지는 역사가 된다.’를 아직 읽지 못하신 분들은 1편을 확인해주세요.
1. 대동여지도 <우리나라 지도의 밑거름이자, 지리적 정보의 결정체>
대동여지도는 1861년 김정호가 목판으로 제작하여 간행한 초대형 지도다. 조각들을 모두 펼쳐서 연결하면, 그 크기가 무려 세로 약 6.7m, 가로 약 3.8m로 요즘 건물로 치면 3층짜리 건물 정도의 높이라 볼 수 있다. 22첩으로 구성된 대동여지도는 전체를 연결하면 전국 지도가 되지만, 각각의 장들을 접으면 책 크기 정도가 되어 휴대가 편리하게 제작되었다. 물론 조선시대에는 지도제작 기술이 발전하여, 김정호가 대동여지도를 내놓기 이전에도 국가와 민간에서 여러 종류의 지도가 제작되고 있었지만, 대동여지도야말로 그 모든 지도 제작 전통과 지리학적 정보가 시각적으로 집대성된 지도의 끝판왕이라고 할 수 있다.
정확한 산줄기와 물줄기의 표현은 물론이거니와 현대의 지도처럼 지도표를 활용하여 지도에 사용된 기호들을 정리해 두었다. 각각의 산줄기의 모습을 크기와 중요도에 따라 다르게 표현하여 높이를 가늠할 수 있게 하였고, 심지어 제작될 당시의 지리적 정보뿐만 아니라 이미 사라진 지리적, 역사적 흔적까지도 찾아볼 수 있도록 제작하였다고 한다.
특히, <대동여지도> 목판을 보면, 정확한 지리적 지식을 많은 사람들에게 보급하고자 한 김정호의 끊임없는 노력을 느낄 수 있다. 여러 장의 인쇄가 가능했고, 하나하나를 필사할 때 생기는 오류를 줄였으며, 지도의 보급과 대중화에 크게 기여하였다. 뿐만 아니라, 목판 안에는 김정호가 지도의 제작 완료 후에도 꾸준히 누락된 부분과 오류가 있는 부분들을 수정하고자 했던 흔적들이 남아있다.
2. 혼일강리역대국도지도 <동양에서 가장 오래된 세계지도>
수백 년 전 한국의 역사 속에서 아프리카를 찾아볼 수 있을 것이라는 생각을 해보았는가? 이 지도(혼일강리역대국도지도)는 중국 원나라 때 (조선 1402년) 즉, 육백 년 전에 제작되었음에도 불구하고, 우리나라와 중국은 물론 아프리카의 지리적 정보까지 시각화하여 담고 있다.
이는 지난 1편에서 소개된 프톨레마이오스 세계지도보다 80년 빠르게 제작된 세계지도이다. 프톨레마이오스 세계지도를 보면 대서양에서 인도양으로 나가는 바닷길이 막혀 있으며, 유럽인들은 당시에 아프리카의 남쪽이 세상의 끝으로 죽음의 땅으로 인식했다고 한다. 하지만 우리의 혼일강리역대국도지도를 보면, 대륙들의 실제 크기와 비례하는 비율과는 차이는 있지만, 지도에 그려진 대륙들의 모습은 전 세계의 바다의 모습이 현재 우리가 알고 있는 모습과 흡사하다.
혼일강리역대국도지도는 한국과 중국을 다른 나라들에 비해 크게 그렸다는 점에서 논란이 있었다. 하지만, 이는 우리 선조들의 무지로 인해서였다기보다는 중국을 상당히 중요시했으며 중국과 함께 조선도 문화 대국임을 나타내고자 한 의도였다는 학자들의 의견이 더욱 신빙성이 있다.
3. 천상열차분야지도 <2000년 전의 하늘을 담은 별자리 지도 – 천명사상>
천상열차분야지도는 태조 4년(1395년)에 돌에 새겨 제작한 별자리 지도로, 천문 현상을 12 분야(分野)로 나누어 차례대로 펼쳐놓은 그림이라는 뜻을 가진 지도이다. 중앙의 원형에는 총 1,467개의 별을 표시했고, 그 주변에 별자리 구획과 의미, 제작 의의, 제작 연월일, 제작에 참여한 관원의 이름 등을 설명한 글을 적어두었다. 즉, 우리 역사 속에서 찾아볼 수 있는 가장 대표적인 인포그래픽 사례 중 하나라고 볼 수 있다. 역사적으로 우리나라는 농경사회였기에 효율적 농업을 위해서 해와 달 그리고 별의 변화를 관찰하고 절기와 시각을 알아내는 것은 굉장히 중요했다.
따라서 오래전부터 하늘을 관측하고자 하는 노력은 역사적으로 여러 곳에서 찾아볼 수 있었으나, 천상열차분야지도처럼 모든 정보를 시각적으로 한눈에 들어오도록 정리된 사례는 드물다.
또한, 천상열차분야지도가 함축하고 있는 그 상징적인 정보와 의미도 무시할 수 없다. 동아시아의 대부분 나라에서는 ‘천명을 받아야 왕이 될 수 있다. (천명사상)’ 고 믿는다. 이에 따라, 대부분의 왕들은 자신들이 세상을 통치할 수 있는 권한을 준 하늘의 뜻, 천문학을 통해 이해하고 이를 세상에 반포하고자 했다고 한다. 천상열차분야지도의 하단부를 보면 권근*이 적은 설명이 있다.
*권근 權近: 1352 ~ 1409, 고려 말 ·조선 초의 문신·학자로 조선 전기 중추원사, 대사헌 등을 역임하였다.
옛날에 평양성에 있던 본래의 천상열차분야지도의 석본이 전쟁으로 인해 강에 빠져 잃어버렸고, 태조가 천명을 받아 조선을 건국한 그해에 누군가가 그것의 인본을 바쳤다고 한다. 후에 돌에 새겨두라는 태조의 지시에 따라 권근과 10여 명의 학자들이 수정하고 연구하여 석각본을 완성해 두었다고 한다.
4. 의궤 <우리나라 고유의 기록의 꽃 의궤>
의궤는 조선왕조 500여 년의 국가 주요 행사들을 훗날 참고할 수 있도록 세세한 글과 그림으로 남겨둔 기록물이다. 그 가치가 고유하다고 인정받아 2007년에 세계기록유산에 등록되었다. 의궤와 같은 형태의 편찬 양식은 오직 조선왕조를 제외하고는 전 세계를 통틀어 찾아볼 수 없다고 한다. 왕실의 혼례, 장례, 사절단의 환대, 행차 등을 비롯한 왕실의 생활의 다양한 측면을 아주 자세하게 담아두었다. 행사에 사용된 의복과 물품의 이름, 모양, 수량, 빛깔 그리고 참여한 모든 인력의 그림과 이름까지, 의궤를 들여다보고 있으면 누구든 감탄이 절로 나올 수밖에 없을 듯하다.
물론, 우리가 통상적으로 알고 있는(순서) 많은 정보를 한눈에 알아볼 수 있도록 시각화한 인포그래픽과는 조금 차이가 있다. 하지만, 다량의 정보를 효율적으로 전달하기 위한 방법으로 글 뿐만 아니라 그림과 도해*와 함께 서술했다는 점에서 어느 정도 일맥상통하는 점이 있다고 생각한다. 행사와 의식에 참여하는 모든 사람들과 물품들의 위치와 같은 정보들은 한자로 설명을 더한 그림과 도표로 기록해 두었다.
*도해 : 글의 내용을 그림으로 풀이하여 보여주다.
현대의 학자들이 보아도 그 모든 부분을 단박에 파악할 수 있을 정도로 세세하게 모든 내용들이 정리되어 있다. 심지어 모든 그림들이 채색되어 있으며 그 형태와 색은 현대의 시각 자료에 익숙해져 있는 우리가 보아도 세련되었다고 느낄 정도이다. 얼마 전 ‘왕조실록, 의궤 박물관’에 방문하였는데, 오랜 시간 의궤 속의 그림과 도해의 감각적인 아름다움에서 빠져나오지 못했던 기억이 난다. 의궤와 관련된 더욱 자세한 내용들은 후에 3편 및 디자인 결과물들과 함께 더욱 깊이 있게 다뤄질 예정이다.
위에서 설명한 네 가지의 유물들은 다량의 정보를 체계적으로 글과 그림을 통해 기록한 시각적 사료로, 그 가치를 인정을 받아 수백 년간 전해 내려오고 보존되어 왔다. 그리고 그 속의 정보들을 읽다 보면 자연스레 이런 유물들을 만든 이들과 그들의 의도, 그리고 비하인드 스토리가 궁금해지기도 한다.
예를 들어, 대동여지도에 대해 알아가다 보면 그 속에 들어 있는 ‘정보’ 즉 역사적 사실 외에 “고산자(古山子) 김정호가 이 지도를 펴낸 이유와 과정, 그리고 그는 누구인가.”를 궁금해하게 되는 것처럼 말이다.
대동여지도와 김정호의 경우, 지도의 구체적인 제작 과정과 그의 개인적 정보에 대해 정확하게 알려진 것들이 많지 않아서, 과거의 다른 기록이나 유물 속에서 힌트를 찾아 나가곤 했다. 그렇다 보니, 우리가 어릴 적부터 들어본 “김정호가 전 국토를 여러 차례 직접 유람하고 측정해서 대동여지도를 제작했다.”라고 하는 전국 유람설부터 다양한 추측들이 전해 내려오기도 한다. 물론, 김정호의 “옥사설”과 같이 누군가의 의도에 의해 왜곡되어 전해졌다고 추정되는 ‘설’ 들도 상당하기에 항상 깊이 있는 사실 확인이 필요하다. 그럼에도 불구하고, 잘 시각화된 기록일수록 시대가 지나도 즉각적으로 얻을 수 있는 정보의 양이 많다 보니, 그 기록을 통해 과거의 정보들을 알게 된 사람들은 자연스럽게 제작 의도를 궁금해하고, 자신들의 시대적 가치관을 담은 해석을 덧대 나간다.
필자는 왜곡이 없는 제대로 된 역사적 사실을 알고, 그에 대한 우리의 올바른 가치관에서 비롯된 생각과 이야기들의 덧댐은 과거와 현재를 이어나가는 것이고, 훗날을 살아가는 이들에게까지 지속적으로 이어질 또 다른 역사가 된다고 생각한다.
문자와 그림을 통한 기록은 사람들이 애초에 의도를 가지고 활용하는 경우가 많기에, 그 자체로도 상대적으로 다른 유물들에 비해 많은 정보를 제공한다. 따라서, 그렇게 제공된 정보를 따라 깊이 있는 연구와 해석이 이루어진 사례들이 굉장히 많다. 반면, 기록 형태가 아닌 우리 선조들의 유/무형적 유산들도 세계 어느 곳에 내놓아도 충분한 가치를 가지고 있는 것들이 많으나, 그 가치들의 깊이가 직관적으로 전달되기 어렵다는 점에 안타까움을 느꼈다. 특정 유물에 대해 충분히 검토된 관련 사실들과 그것을 바탕으로 새롭게 해석된 자료가 시각적으로 덧대지면, 그 고유의 가치를 한번 더더욱 널리 알려질 수 있는 계기가 될 수 있다고 생각한다.
따라서, 앞으로 이 ‘발견 그리고 덧댐과 이음’ 프로젝트는
l ‘발견’ (과거): 그러한 보배로운 유물들 중 10개를 선정하여, 그와 관련된 우리가 왜곡되지 않은 상태로 꼭 알아야 할 역사적 사실들을 연구하고 찾아내어, 현대인들도 이에 흥미를 가질 수 있도록 시각적으로 배치한다.
l ‘덧댐’ (현재) : 우리가 알아야만 하는 우리 유물의 정보와 가치를 정리해 나가는 과정에서 드러나는 우리의 가치관, 예를 들어, ‘필자가 이 프로젝트를 기획하고 과정, 필자가 느끼는 점들, 디자이너가 시각적으로 풀어나가는 과정에서 생각하는 것들, 역사학자가 개인적으로 더욱 끌리는 내용 그리고 전문가들의 견해’ 등을 덧댄다.
l ‘이음’ 그리고 ‘다시 발견’ (미래): 유물을 알아가며 과거와 현재가 이어지고, 또한 이 글과 디자인 결과물을 보게 될 독자/ 관객과 이어진다. 뿐만 아니라, 독자로 하여금 새로 알게 된 정보를 바탕으로 이후에 스스로 더 찾아보고 관심을 가지게 되길 바란다. 독자가 다시 발견한 이야기들이 우리가 만든 작업물 위에 추가적으로 덧대질 수 있는 형태의 결과물을 제작해 나가려고 한다.
다음 편부터는 이 프로젝트를 진행해나가는 과정이나 선정한 ‘우리나라의 보배로운 유/무형적 유물 10가지’를 다룬 중간 완성물들을 부분적으로 공유하고자 한다.
도연희 문화 기획자/기업가, 슬리퍼스 써밋
코로나 19 전과 후로 나뉜 나의 생각의 대전환
이번 글을 다시 한번 COVID-19(코로나바이러스)의 이야기로 시작하는 이유는 코로나 바이러스로 인하여 사회는 인간의 생존 본능에서 비롯된 이기심과 편견, 차별의 민낯을 여실히 드러내었고 그에 따라 내가 잊고 살던 삶의 중요한 가치에 대해 다시금 생각하게 하였기 때문이다. 코로나 바이러스는 나의 삶의 터닝 포인트가 되었다.
격리, 셧다운, 이동 마비로 인해 도시의 삶의 방식에 대해서 다시 생각해보게 되었고, 속수무책으로 붕괴되어가는 의료시스템을 지켜보며 빈부격차의 갭을 더욱 뚜렷하게 확인할 수 있었다. 또, 코로나 19는 인간에게는 ‘위기’지만 자연에게는 회복의 ‘기회’로 작용해 맑아진 강과 바다, 깨끗해진 공기를 가져오는 아이러니한 결과를 만들어 냈다.
나는 팬데믹이 바꿔놓은 포스트 코로나 시대에 살고 있다. 더 이상 익숙해져 있던 평범한 일상으로 돌아가기엔, 너무나 많은 사회적 그리고 환경적 문제들이 대두되었고, 나의 삶에 변화를 주지 않는다면 또 다른 비극적 역사가 되풀이될 것이라는 확신이 들었다. 나는 나의 삶과 그 삶을 영위하는 이 사회, 지구 환경을 대하는 나의 모습, 그리고 나의 삶의 방향을 생각하며 틈틈이 끄적였던 나의 생각을 앞으로의 글에서 하나씩 정리해 보고 싶다.
코로나 19 전과 후로 나뉜 나의 생각의 대전환 1편
행복한 소비에 대한 나의 생각
얼마 전 아버지가 15년 동안 꾸준히 내 이름으로 투자해 온 펀드 상품을 정리하러 갔었다. 펀드 매니저는 오래되어 수익성이 떨어진 투자 상품(주로 생산업과 오프라인 서비스의 회사들)을 정리하고 새로운 종목에 재투자하라고 권유했다. 그 종목은 바로 유튜브와 같은 온라인 동영상 서비스(OTT)와 유통업체 아마존과 같은 비대면 온라인 서비스업이었다. 실제로 지난 10년 동안 꾸준히 상승해 온 주가 그래프를 보여주며 그의 말에 신빙성을 더했다.
코로나로 인해 도시가 봉쇄되고 이동 제한과 격리 조치가 취해지면서 나는 집에 머무는 시간이 늘었고, 온라인을 통한 소비가 많아졌다. 무분별하게 화면에 뜨는 광고들과 알고리즘을 이용한 추천 상품 링크들은 계획하지 않은 소비를 하게끔 만들었다. 실제로 사람들은 온라인에서 쇼핑할 때 충동 구매율이 높아진다고 한다.
전문가들은 코로나 바이러스가 종식되더라도 이러한 형태의 비대면 서비스 산업의 성장은 이어질 것이라고 말한다. 나를 포함해 이번 기회를 통해 온라인 소비 방식을 경험한 소비자들은 앞으로도 더 자주 온라인 서비스를 이용할 것이라고 생각한다.
하지만 소비하는 방식이 오프라인에서 온라인을 중심으로 이동할 뿐이지 소비 행태는 크게 달라지지 않았다. 현대사회를 살아가는 사람들에겐 소비가 차지하는 의미와 비중은 매우 크다. 어떤 소비를 하느냐에 따라서 개인의 개성과 정체성이 평가받는 세상이기 때문이다. 스타일이나 외모는 정체성을 평가하는 중요한 대상이 되지만 이 대상은 소비를 통해 만들어지는 것이다. 살고 있는 집, 타고 다니는 자동차, 어떤 옷을 입고 다니느냐가 한 개인의 가치를 평가하는 기준이 되고 있는 것이다.
https://www.youtube.com/watch?v=0Co1Iptd4p4&feature=youtu.be영화 미니멀리즘 예고편 – 넷플릭스에서 전체 영화를 볼 수 있다.
netflix 영화 [미니멀리즘 : 중요한 것들에 대한 다큐멘터리]에서는 미니멀리스트인 두 남자의 이야기가 펼쳐진다. 영화는 화려한 뉴욕 전광판, 사람들로 가득 찬 거리, 시끄러운 도시 소음 그리고 세일 간판이 걸려 있는 옷 가게의 장면들로 시작한다. 그리고 남자는 말한다.
“우리는 자동적이고 습관적인 행동으로 가득한 삶을 살고 있죠.
무언가를 찾아다니는데 많은 시간을 보내요.
하지만 그걸 통해 우리가 얻는 것은 없죠.
무언가를 찾아다니는데 너무 매달려서 그게 우릴 불행하게 해요”
나도 마찬가지로 내가 좋아서가 아니라 사회의 기준에 부합하기 위한 결정과 소비를 하고 있었다. 그래서 TV나 SNS 그리고 영화나 책 등에서 보여지는 기본적으로 갖추고 살아가야 하는 라이프 스타일의 기준에 현혹되어 굳이 필요로 하지 않지만 자동적으로 그리고 습관적인 소비를 하며 살고 있진 않는가 생각해보게 되었다.
내가 소유하고 있는 물건들 중에는 옷이 제일 많다. 유행에 따라 사놓고 입지 않은 옷들, 작아져서 입지 못하는 옷들, 선물 받았지만 취향이 맞지 않는 옷들로 가득한 옷장을 공개한다.
아침마다 나는 옷을 고르는데 평균 20분의 시간을 소요하는 것 같다. 또 옷을 빨고 개고 정리하는데 드는 시간은 하루 평균 30분이다. 매일 총 50분의 시간을 옷을 정리하고 관리하는 데 사용된다 (3일 동안 실험한 과학적인 통계이다). 물건이 많으면 그만큼 그 물건을 관리하고 유지시키는데 드는 시간과 노력이 함께 필요하다. 그 시간을 내가 정말로 좋아하고 하고 싶은 일에 투자하고 싶다는 생각이 들었다.
주변에선 진짜 내가 하고 싶은 일들을 포기하고 편안하게 아버지가 물려주신 사업을 하는 것이 좋지 않냐고 조언도 많이 했었다 (물론 아버지가 하시는 일이 쉽다는 것이 아니라 취업을 위해 또는 내 일을 만들어나가기 위해 겪는 어려움을 겪지 않아도 된다는 뜻이다. 무엇보다 코로나 사태로 취업하기 어려운 이 시기에 가족의 일을 돕다는 것은 최선의 선택 같기도 했다). 하지만 나는 내가 어떤 물건을 살지 선택하는 것처럼 내 삶이 어떠한 방향으로 흘러갈지 선택하는 것도 내 몫이라 생각했다. 누군가가 내 취향에 맞지 않는 옷을 선물하면 입지 않게 되는 것처럼, 그 누가 내 삶에 방향을 정해주면 그 삶은 행복과는 거리가 먼 삶이 될 것이라 확신했다.
누군가는 배부른 소리 한다고 할 수도 있겠다. 하지만 나는 내게 일정한 방향으로 흘러가라고 말하는 사회의 기준에 나를 맞추지 않기로 했다. 나의 삶을 더욱 풍요롭게 해주는 기준은 내가 가장 잘 알고 있으며, 어떤 소비를 하는 것이 나를 진정으로 행복하게 해 주는지 이제 차차 알아가고 있기 때문이다. 각자 자신이 좋아하고 꼭 필요한 것들이 무엇인지 생각하고 주변을 정리한다면 습관적인 소비로 공허함을 채우는 가짜 감정을 느끼지 않아도 되지 않을까.
나는 펀드 매니저의 공들인 설득에도 불구하고 그냥 모든 주식을 정리했다. 내가 그 돈을 가치 있다고 생각하는 일들에 쓰고 싶었기 때문이다. 물론, 그 목돈을 펀드상품에 투자해 더 많은 돈을 쉽게 벌 수는 있었겠지만 (돈을 잃을 수도 있다.) 나는 지금 현재 내가 중요하다고 생각되고 또 나를 행복으로 이끌 수 있는 선택을 한 것이다. 지금도 매일 비우는 연습을 하고 있다. 몸도 마음도 물건도… 다음 글에선 변화된 나의 옷장을 보여줄 수 있었으면 좋겠다.
이경아 환경 운동가/영상 감독, 슬리퍼스 써밋
젊은 고고학자 노르베르트 하놀트(Norbert Hanold)는 로마 여행 중 목도한 부조 조각상이 마음에 들었고 이를 석고로 떠 독일로 가져왔다. 그리고 그 석고 부조를 연구실 한편에 몇 년 동안 걸어 두었다.
그러던 어느 날, 하놀트는 그 석고상의 발을 주시하게 된다. 그리고 그는 그녀의 걸음걸이가 마음에 들어, 그 석고 부조에 “앞으로 걸어가는 자”라는 뜻의 고유명사 ‘그라디바’라는 이름을 붙였다.
이후 점점 그의 그라디바에 대한 상상과 추측은 커지고, 꿈에서도 베수비오 화산 폭발의 아수라장 속 그라디바를 보게 되는 지경에 이르렀다. 꿈속에서 그는 그녀를 불렀다. 꿈속의 그녀는 그 소리를 못 듣고 화염에 떨어졌지만, 그는 잠에서 깨자마자 어떤 확신에 찬다. 그리고 그는 ‘잿더미’ 속에서라도 그녀의 흔적을 찾기 위해 폼페이로 가게 된다. 잠깐, 여기까지는 소설이다.
1902년 출판된 빌헴 얀슨(Wilhelm Jensen)의 소설 그라디바 (Gradiva)는, 폼페이를 배경으로한 판타지 소설이다. 이 소설은 1907년, 지그문트 프로이트에 의해 ‘무의식 욕망이 꿈에 나타나는 예[1]라고 정신분석적으로 해석됐다. 이후 제1, 2차 대전이 끝나고 이 글은 세기적 사상가 자크 데리다에 의해 다시 분석되었다. [2]
유대인이었던 데리다와 잿더미 속 흔적을 찾아 떠나는 독일 고고학자 모습은, 아이러니하게 데칼코마니 같았다. 필자는 정신분석학 전문가도 아니고, 뇌 과학 관련 최신 책에 관심을 두는 정도이지만, 지난 테이트 모던 20번째 생일, 소설 속 하놀트와 같이 현실과 착란이 꿈속에서 퍼즐처럼 맞춰지는 현상을 경험했다.
5월 11일, 오늘은 테이트 모던 생일이다.
테이트 모던은 2000년에 문을 열었다. 그 당시 소더비 경매소의 미술사 학도이던 필자는, 스위스 친구의 플러스 원으로 테이트 모던에 갔다. 건물은 당시 (도전했던 다른 건축가들에 비해) 잘 알려지지 않은 자크 헤르조그와 피에르 드 뮈롱에 의해 재건축됐다. 원래의 건물을 살려 통유리 위에 살짝 층을 올려 무거움을 덜고, 건물 반쪽은 아예 층고를 없애 바닥부터 천장까지 길이가 높은 작품을 설치할 수 있도록 했다.
그 당시에도 런던에는 스타 건축가들이 많았다. 그럼에도 불구하고 초대형 현대미술관의 등장에 안도 타다오 (본태 박물관 디자인 및 건축가)나 데이비드 치퍼필드 (아모레 미술관 디자인)와 같은 건축가를 선택하지 않은 이유는, 길즈 길버트 스콧 경 (Sir Giles Gilbert Scott)이 ‘본질적 정체성(essential identity)’를 유지하길 원했기 때문이다.
테이트 모던에 들어가면 가장 먼저 경험할 수 있는 건 높은 층고와 이 창문들이다. 사다리처럼 길게 쭉 뻗은 창문들이 일정 간격으로 반복되어 있다. 그리고 이는 밖에서 봤을 때와, 안에서 봤을 때 그 느낌이 다르다.
층고가 낮고 바닥이 나무인 작은 공간 안에도 창문들은 일제히 뻗어있다. 그 창문 앞에서 자코메티의 조각을 본 적도 있고, 최근에는 창문 밖으로 착시효과가 일품인 울리파 엘리아슨이 설치한 24시간 비가 오는 듯한 작품을 본 적도 있다. 나는 20년간 런던에서 생활 동안 테이트 모던에 갔고, 종종 영국을 방문하는 귀빈이나 친한 친구에게 작은 미술사 투어를 해주곤 했다.
“이 건물은 길버트 스콧의 화력발전소를 바꾼 곳이에요. 이 길게 난 창문 어디서 본 것 같지 않으세요? 길즈 길버트 스콧 경(1880-1960, 편의상 ‘길버트 스콧’)은 빨간 공중전화 박스를 디자인한 건축가예요. 전화박스를 보시면 이 네모난 창문이 폭과 너비가 왠지 비슷하죠?”
런던의 아이콘 길버트 스콧의 빨간 공중전화박스.
이 전화박스 안에서 수화기를 들고 스냅을 남기지 않은 방문객이 있을까? 리버풀 대성당부터 베터시 화력발전소까지 굵직한 규모의 건축물의 인상이 강해서인지, 귀엽고 빨갛고 둥글둥글한 전화박스가 길버트 스콧의 디자인이라니 상상이 잘 안 간다. 길버트 스콧의 이 디자인은, 존 소안 (John Soane, 1753-1837) 경의 ‘무덤’ 디자인에서 영감을 받았다고 한다. *그 무덤은 실제로 킹스크로스 역 근처라 방문하기 좋다.
존 소안 경이 살던 집은 이제 <소안 뮤지엄> 이 되었는데, 가보지 않았다면 꼭 가보길 추천한다. 옥스퍼드 건축 사전은 이 소안 뮤지엄을 “one of the most complex, intricate, and ingenious series of interiors ever conceived”라고 평했으니. 뮤지엄 안에는 앞서 말한 그 무덤의 모델도 있다. 기념비같이 독특한 사면체의 천장과 돔이 특이했고, 어쩌면 소안 뮤지엄도 하나의 그의 ‘모솔레옴’이기에, 뮤지엄 속 뮤지엄처럼 느껴지기도 한다.
소안은 영국 중앙은행부터 덜위치 미술관까지 신고전주의 양식의 건축물들을 남겼고 로열 아카데미에서도 명성을 날렸으나, 길버트 스콧은 파란만장한 가정사를 가지고 있다. 부인을 먼저 보내고, 아들과는 의절했다. 그리고 그는 자신이 디자인한 무덤에 묻히며 생을 마감했다.
아래 – 이 RIBA의 디자인을 보면 길버트 스코트의 디자인과 그 무덤의 유사점을 알 수 있다.
여기까지는 알던 지식이다. 그리고 지금부터는 발견한 것에 대한 이야기를 해보고자 한다.
‘터무니’라는 말은 우리 옛 지도 속 산과 계곡이 분명하고, 물길과 터가 무늬처럼 새겨져 있는 곳에서 비롯됐다. 그런데 우리는 그 터의 기억을 끊임없이 지우고 있다. 아파트들은 재건축되고, 남아있는 조그만 길들은 젠트리피케이션이 되다 못해 망가지고 있다.
나는 한국에서 태어나 중학교 때까지 자랐고 영국에서 또 그 시간만큼 살았기에 나의 ‘터’에 대한 생각을 자주 하게 된다. 특히, 코로나로 인해 자가 격리 중엔 더 그랬다. 혼자 있는 시간이 대부분이고, 한국보다 훨씬 더 엄한 ‘럭 다운’에 식당은 말할 것도 없고 학교, 교회, 절, 모스크, 미술관, 도서관이 모두 문을 닫았다. 사실 이런 생활을 지낸 시간이 7주인지 8주인지 정신이 혼미하다. 한 공간에서 자고, 먹고, 일하고, 공부까지 하다 보니 그럴 수밖에..
영국은 사망자가 3만 명이 넘었다. 그래서 나는 아무도 없는 새벽에 가까운 리젠트 파크를 뛴다. 집 안에서는 해를 따라 이동한다. 이 전에는 잠만 자던 집이었기에, 10년을 살았는데 단 한 번도 이 건물의 건축가에 대해서 생각해본 적이 없었다. 내부 디자인은 스타 건축가 필립 스탁이 맡았다는 건 알고 있었지만, 거기까지였다. 또, 이 건물은 전화국으로 사용되었다는 것 정도만 알고 있었기에 집 앞 유난히 긴 빨간 전화박스를 보고도 그러려니 했다.
그러던 중 소파에 앉아서 핸드폰을 살펴보다 벌써 20주년이 된 테이트 모던 소식을 여기저기에서 접했다.
‘아 시간이 그렇게 흘렀네’ 하며 늘 그렇듯 창문을 통해 바깥세상을, 지나가는 구름을 보던 중 갑자기 어떤 확신이 들었다.
“아, 이 창문!”
나는 미치도록 궁금했다. 인터넷에 건물의 이름을 검색했지만, 온통 필립 스탁 이야기뿐. 이렇게 저렇게 온라인으로 조사를 하던 중, 길버트 스콧의 아카이브 리스트에서 우리 길 주소를 확인했다. 건물로 내려가 밖에서부터 다시 창문을 봤다. 내가 왜 이걸 지금 알았을까? 또 늘 보던 대영도서관 옆 세인트 펜 크라스 역과 왕립 예술학교 앞 알버트경의 메모리얼은 그의 할아버지인 조지 길버트 스코트 경이 이 건물을 디자인했다는 것이다. [4]
멍하니 나는 어떻게 이렇게 무지할 수 있었을까 생각했다. 그리고 내가 살던 건물에 대해 잘 모르는 것은 둘째치고 이렇게 계보를 남기는 영국이 부러웠다.
문득 지난겨울 김수근의 르네상스 호텔이 허물어지는 것을 보며 안타까웠던 기억이 떠올랐다. 큐레이터 시절을 막 시작했을 때 도움을 많이 줬던 기자분들이랑 자주 가던 피맛골도 이제는 없고, 을지로도 이제는 없어지는데, 그땐 어디서 흔적을 찾을까? 정말 나도 콘크리트 바닥에서 을지로의 작은 부품 하나를 찾는 꿈을 꿀까.
젊은 고고학자 이야기로 시작한 이유는, 그가 폼페이에 가서 발견한 것에 있다. 거기서 그는 그라디바와 너무 비슷한 여성을 만났고 그는 다짜고짜 그녀에게 말을 건다. 나중에 알게 된 사실은 그녀는 하놀트의 옆집에 살던 동물학자의 딸이고 둘은 어릴 적 어울리곤 했었다는 것이다. 말하자면 그녀는 하놀트가 무의식적으로 좋아하던 ‘첫사랑’이었다. 하놀트는 그녀의 특이한 걸음걸이를 기억하고, 이 흔적을 부조에서 투영해, 그 조각상의 상상의 주인공을 사랑하게 되었다는 이야기인 것이다.
나는 예술사 학도 시절 그 창문에서 무엇을 본 걸까? 거대한 미술 세계? 미술사의 계보? 테이트 모던으로 시작된 현대미술 중심으로서의 런던 도약의 시작? 어쩌며 10년 전 수백 개의 집을 방문하고 살 집을 고르던 중, 이 집에 푹 빠진 것도 (정말 문을 열자마자 내 집이 되리란 걸 알았다) 그 창문을 알아봐서 일까?
김승민 큐레이터, 슬리퍼스 써밋
[1] 지그먼트 프로이드, <W . 옌센의 『 그라디바 』에 나타난 착란과 꿈>, 1906
[2] 자크 데리다, <아카이브 열병>. 1995
[3] 소안의 아들은 익명으로 자신의 아버지가 자신의 mausoleum을 짓고 있다 고발했고 어머니는 화병으로 죽었다.
[4] 필자가 박사과정을 하는 곳이 왕립 예술학교로 학교로 가려면 알버트 홀 기념비를 지난다. 나머지는 시간은 대영도서관에서 보내는데, 그래서 내리는 역이 센 판크라스다.
알버트 메모리알 (1861년 사망한 알버트 왕자를 기리기 위해 그의 부인 빅토리아 여왕이 준비한 기념상) 1872년에 완성됐고 (왕자 조각은 1876년).
The show must go on.
쇼는 계속되어야 한다.
코로나가 처음 상륙했을 때 혼란과 불안감으로 아무것도 할 수 없을 것만 같았다. 하지만, 어느새 반년이 되어가고 있는 지금, 이 안에서 우리는 각자 살아갈 방법을 찾아가고 있는 듯하다. 여전히 멈춰있고 포기할 수밖에 없게 돼버린 것들도 많지만, 적어도 모두가 한 번 이상의 살아남아보려는 시도를 했었다는 건 분명하다.
페스티벌과 라이브 콘서트 산업도 마찬가지다. 혹자에게는 공연은 필수가 아닌 기호에 관한 문제이기에, 이런 이야기를 논한다는 것이 배부른 소리로 들릴 수 있을지 모르겠다. 하지만 이 또한 누군가에게는 생계를 이어가기 위한 ‘업’이 걸려있는 이야기다.
공연은 사람과 사람이 만나야 하고, 기술이 아무리 좋아져도 사람의 ‘손’이 필요한 일이기에 움직임이 제한되는 이 상황에서 라이브 이벤트 산업은 특히 전멸했다. 나 또한 그 상황을 실시간으로 체크하고 있었는데, 공연들이 하나하나 취소되고 끝내 세계적 행사인 SXSW와 코첼라 그리고 글라스톤 베리가 취소되었을 때 그 기분을 잊을 수가 없다.
그리고 공연장의 빈자리를 온라인이 메꿔가기 시작했다.
처음에 온라인을 통한 공연은, 사람들에게 희망과 위로를 주고 싶었던 것 같다. 공연계 종사자들에게는 감을 잃지 않게 하고 다시 복귀할 수 있을 거라는 희망. 그리고 관객들에게는 외부 요인으로 인한 생활의 멈춤을 잠시라도 쉼으로 느끼게 해 주려는 위로. 난생처음 겪어 보는 팬더믹이고 특히 ‘쉼’조차도 ‘뒤처짐’으로 세뇌되어 끊임없이 달리기만 했던 우리 세대에게, 갑자기 찾아온 ‘멈춤’은 큰 당혹감을 주었을 것이다. (갑자기 달고나 커피 만들기 영상에 달려있던 댓글이 떠오른다. ‘나태 지옥에 한국인의 자리는 없다’라던….)
하지만, 사태가 길어지고 심각해지면서 공연계는 단순히 위로가 아닌 살아남기 위해서 온라인 콘텐츠를 끊임없이 만들었고 배포하고 있다. 그리고 콘텐츠의 수가 일정량 쌓아지면서 어느 정도 몇 가지 전형이 자리 잡은 것 같다.
전형은 크게 3가지로 나눌 수 있겠다.
1. 아카이빙 된 콘텐츠를 온라인으로 배포
– 한국의 예술의 전당의 ‘SAC On Screen’, 국립 극장 그리고 영국의 국립극장 NT, 뮤지컬 거장의 앤드류 로이드 웨버의 ‘더 쇼 머스트 고온(The show must go on)’ 시리즈 등.
> 개인적으로는 평소에 좋아했던 국립 무용단의 ‘향연’과 앤드류 로이드 웨버의 ‘오페라의 유령’을 온라인을 통해 다시 볼 수 있어서 행복했다.
앤드류 로이드 웨버의 ‘더 쇼 머스트 고온’ 시리즈 발표
2. 소셜 미디어를 통한 방구석 라이브
– #togetherathome 해시 태그와 함께 콜드플레이의 보컬 크리스 마틴, 찰리 푸스, 마일리 사이러스, 한국의 10cm, 소란 등이 자신의 소셜미디어 계정을 통해 팬들과 소통하고 공연을 하는 방구석 라이브를 진행하였다.
– 이러한 방구석 라이브는 여러 뮤지션의 조합으로 하나의 페스티벌이 되기도 하였다. 특히 원 월드:투게더 앳 홈(One world:together at home)은 레이디 가가가 기획한 초대형 온라인 자선 페스티벌로, 엘튼 존, 스티비 원더, 빌리 아일리시 등 글로벌 슈퍼스타들이 약 110여 명이 참여하였다. 나는 영국의 록밴드 퀸의 이야기를 다룬 ‘보헤미안 랩소디’ 영화에 나오는 라이브 에이드를 실제로 보지 못한 세대다. 따라서 라이브 에이드는 역사 속의 한 사건처럼 느껴지는데, 이 원 월드를 보면서 이또한 다음 세대들에게 재난을 음악으로 극복해 보려 했던 역사 속의 한 사건으로 느껴지지 않을까?라는 상상도 해보았다.
원 월드 투게더 엣 홈 : One world together at home / * 창작자의 저작권 문제로 유튜브를 통해 확인 가능합니다.
> 특히 Jessie J가 Flashlight를 부를 때 손가락으로 카메라를 가리킬 땐.. 정말이지 나를 가리키는 것 같아 성덕이 된 느낌이었다(*성덕 : 성공한 덕후). 우리나라 가수로는 Super M이 출연했는데, 그들의 온라인 콘텐츠 제작에 능숙하고 깔끔한 에티튜드를 보며 역시 에셈……..이라는 말이 절로 나왔다.
3. 무관중 공연의 라이브 송출
무관중 공연의 경우 기존에 아카이빙 해둔 공연이 아니라 관중 없이 공연을 진행하고, 이를 온라인으로 송출하는 형식의 공연이다. 이 경우는 공연 프로덕션 이외에 방송 프로덕션이 참여하는 경우가 많은 것 같다. 따라서, 시청하기에 군더더기 없이 깔끔하나 공연보다는 방송이라는 느낌이 더 강하다.
이탈리아 밀라노에서의 안드레아 보첼리 공연 생중계
– 이에 대한 예로는 성악가 안드레아 보첼리가 밀라노 두오모 성당에서 진행한 생중계, 영국에서 티켓을 구할 수 있을까 조마조마 기다렸던 피아니스트 조성진이 참여한 독일 베를린 마이스터 홀에서의 모먼트 뮤지컬(Moment Musical) 시리즈 등이 있다.
Eat Sleep _____ Repeat
rave
코로나로 인해 공연의 온라인화 기술은 발전하고 있다. 개인적으로는 이렇게 변한 공연계의 모습을 전적으로 긍정적이게 바라봤었다. 콘텐츠는 부가 가치가 높은 산업이지만, 프로덕트 산업이 가진 안정성을 갖기에는 어렵다고 생각한다. 따라서, 이렇게 온라인을 위해 영상으로 기록되는 공연을 보며, 영상은 무형 콘텐츠를 프로덕트로 변환할 수 있는 가장 효과적인 방법이며 이는 결국 이 산업을 경제적으로 안정적이게 만들 수 있는 방법이 아닐까 라는 생각도 잠시 했다.
온라인은 관객들에게 공연 선택의 스펙트럼을 넓혀주고 새로운 도전을 하게 한다. 그리고 관객의 트랙킹을 손쉽게 하여, 구체적 관객 개발이 되는 데 도움이 될 것이다. 또 나 같은 공연 freak에게는, 놓쳤던 공연과 찾아가기에 제약이 있었던 공연 그리고 다시 보고 싶었던 공연을 마음껏 볼 수 있게 해 줘 정말 황홀한 일이었다.
그런데 어느 순간부터 온공태기가 오기 시작했다 (*온공태기 : 온라인 공연 권태기, 방금 만듦) .
너무 많은 콘텐츠에 피로감을 느끼기 시작한 것도 있지만, ‘관객 개발(Audience Development)’과 ‘경험 경제(Experience Economy)’의 관점에서 파헤쳐 보면 그 이유에 대한 힌트를 얻을 수 있지 않을까 싶다.
2019년 경험 설계 회사 Imagination 이 발표한 Experiential trends 보고서에 따르면, 사람들은 점점 더 기계와 친해지고 있다. 하지만, 앱스토어가 생긴 지 약 10년이 지난 지금 아이러니하게도 소비자들의 진정성과 실제성에 대한 욕구가 커지고 있다고 한다. 그리고 기계를 통해서도 사람 사이의 끊임없이 소통을 하고 싶어 함을 밝혔다.
– Screen to Real
– Physical Experience
– Real to Real
<Experiential trends 2019>
즉, 세상은 디지털화되어가고 있지만, 사람들은 스크린보다 만남을 갈망하기 시작했고, 여전히 신체적으로 경험할 수 있는 것을 원하며, 실제가 더 실제 다워 보이길 원한다는 것이다.
그리고 관객들에게서도 이러한 특징을 발견할 수 있었다. 2016년 AEA Consulting 이 발표한 Live to Digital 보고서는, 관객들은 디지털이 라이브를 대체할 수 없다고 생각하며 이 둘의 명확한 경험의 차이를 인지하고 있다고 말했다. 또한, 디지털 공연은 경제적이고 편리하지만, 현장감(Liveness)이 없음을 강조하며 디지털 공연의 증가는 라이브 이벤트의 수요에 거의 영향을 주지 않는 별개의 매체라고 분석했다.
즉, 영상 공연은 좋아하는 아티스트의 영상과 음악을 들을 수 있다는 장점이 있지만, 그 콘텐츠는 라이브 콘서트와는 별개라는 것이다. NPR의 Tiny Desk Concerts 또는 네이버 온 스테이지 같은 개념으로 받아들여지지 현장 공연을 대체할 수 없다는 것이다.
이처럼 디지털 공연 플랫폼은 발전하고 있지만, 현장감에 대한 관객들의 여전한 갈증은 드라이브 인 콘서트(Drive-in Concert)라는 대안을 제시하게 했다. 드라이브 인 콘서트는, 특히 유럽과 미국에서 많이 진행되며 자동차 극장의 콘서트 판으로 보면 된다. 차 안에서 타인과의 접촉을 최대한 피하되 스크린이 아닌 직접 무대를 바라보고 공연을 보며 현장감을 느낄 수 있는 콘서트의 형태다.
[출처 : 드라이브 인 콘서트를 진행한 매즈랭거(Mads Langer) 페이스북]
하지만, 앉아서 보는 공연 장르 외에, 즐긴다는 느낌이 강한 콘서트나 페스티벌의 관객에게 이 방법은 여전히 허전함을 준다. Physical Experience가 부족한 것이다. 사람은 본능적으로 액션을 취할 때 그 콘텐츠에 집중하게 되고, 콘텐츠에 관여하게 되며 그에 대한 경험의 지속력을 증가시킨다. 이는 경험 경제에 관련된 이야기뿐 아니라 마케팅에도 적용되는 이야기다. 페스티벌 마니아인 나의 관점에서 이 논리를 페스티벌에 적용해 보면 ‘레이빙(raving)’이 없기에 그 허전함이 채워지지 않는 게 아닐까 생각을 해본다. 영국에 있을 당시 코로나로 록다운 이 시작되었을 때 방안 갇혀있던 것도 나에겐 굉장한 인내심을 요구했는데, 음악이 나오는 곳에서 움직임이 제한되는 건 여간 답답한 일이 아닐 것이다.
이러한 갈증은 나만 느낀 게 아닌 것 같다. 다영역 크리에이티브 스튜디오 Production club은 이에 대한 대안으로 이 바이러스 슈트 MICRASHELL을 제안하였다.
<Production Club의 Micrashell>
재밌다. 아직은 우스꽝스러워 보일 수 있지만, 코로나의 종결을 페스티벌의 재개장의 의미로 받아들이는 페스티벌 마니아들의 욕구를 정확하게 파악한 제품인 것 같다.
이처럼 라이브 이벤트 업계는 공연할 수 없는 이 상황에서 살아남기 위해 부단히 노력하고 있다. 그리고 그 노력에 대한 관객들의 반응과 채워지지 않는 결핍 들은, 이 산업이 앞으로 나아갈 방법에 대한 힌트를 주고 있다. 따라서, 지금 현재 공연계는 거의 전멸이라고 볼 수 있을 정도로 힘든 시기를 겪고 있으나, 이 상황을 하나의 징검다리로 인지하고 쇼가 계속될 수 있는 방법을 함께 고민해 나갔으면 한다. 가장 창의적인 사람들이 모인 산업이라고 믿고 있으니 이 어려움을 상상치도 못한 방법으로 잘 극복해 나갈 수 있을 거라 믿는다. 쇼는 계속될 것이고, 관객들은 다시 쇼에 박수를 보낼 것이다.
조윤지 문화 기획자/프로그래머, 슬리퍼스 써밋
< 발견 그리고 덧댐과 이음 > 시리즈
방대한 정보가 흘러넘치는 지금, 보는 이들의 흥미를 자극하고 직관적인 전달력을 가진 시각화 방법인 인포그래픽을 얼마나 잘 활용하느냐에 따라 정보의 가치가 달라진다. 코로나 19 바이러스에 대한 수많은 정보들 중 유독 눈에 들어오고, 오래 기억에 남는 정보의 시각화를 선보인 사례들을 보고, 문뜩 ‘누군가가 수십 년 후에 이 이미지를 보며 우리의 삶을 해석하지 않을까’ 하는 궁금증이 생겨났다.
실제로 우리도 과거의 인포그래픽과 이미지들을 보며 선조들의 모습을 유추해왔고, 서양에서는 많은 역사적 인포그래픽 사례들이 중요성을 인정받아 분석되어 왔다. 그렇다면 우리 역사 속에선 어떤 사례들을 찾아볼 수 있을까? 또한 엄청난 가치를 품고 있으나 시각적 해석이 부족해서 그 진면목이 널리 알려지지 못한 우리의 유물들은 무엇이 있을까?
이 프로젝트/시리즈는 최종적으로, 10개의 우리 역사 속 보배로운 유물들의 가치를 발견하고, 그에 관련한 설명과 이야기들을 시각화하여 덧대어 그 가치가 더욱 멀리 알려질 수 있도록 있는 디자인 결과물을 만들어내는 것 까지를 목표로 한다.
목차
1편. 마구 쏟아지는 정보들을 단단하게 정리해둔 인포그래픽과 이미지는 역사가 된다.
– 코로나 19 바이러스가 가져온 급격한 사회적 변화와 호기심
2편. 우리 역사 속 기억 상자를 찾다.
– 한국의 역사 속 인포그래픽과 이미지
3편. 우리 역사 속 보배로운 유물 10가지의 발견, 그리고 덧댐과 이음
– 10가지의 유물 각각의 진정한 가치를 한눈에 볼 수 있는 인포그래픽을 활용한 포스터 제작(10종)
1편. 마구 쏟아지는 정보들을 단단하게 정리해둔 인포그래픽과 이미지는 역사가 된다.
COVID-19 가 발현하고 118일이 지난, 현시점(28일)을 기준으로 전 세계 누적 확진자 수가 300만 명을 넘어섰다. 4개월간 코로나 19의 증상, 예방, 예측 등을 포함한 수많은 정보들이 쏟아져 나오기 시작했고, 정부기관부터 기업 그리고 각 개인들은 그 방대한 양의 정보들을 더 많은 사람들에게 공유되고 이해될 수 있도록 각자의 방법으로 해석하고 정리해왔다.
그럼에도 불구하고, 그중 대다수는 아마 사람들의 눈길을 사로잡지 못하고 스쳐 지나가는 자료들이 되었을 것이다. 어떻게 하면 소비자들이 필요한 정보들을 언제 어디서나 빠르게 이해할 수 있도록 간략하면서도 강렬한 인상을 줄 수 있는 형태로 전달할 수 있을까?.
백 마디 말보다 강력한 그림 한 장 – 사람들을 설득한 코로나19 관련 인포그래픽들
많은 국가에서 락다운(lock down)을 시작하고 사람들의 활동을 강제적으로 최소화하였고, 우리나라는 스스로 사람들의 거리를 유지하는 자발적 ‘사회적 거리두기’를 권고하였다. 하지만, 이를 실천하였을 때의 효과가 가시적으로 바로 나타나는 것이 아니다 보니, 사람들의 적극적인 참여를 불러일으키기는 보다 어려운 문제였을 것이다. 그렇다면, 보이지 않는 것을 보이게 할 수 있다면 사람들의 동참을 이끌어낼 수 있지 않을까?
그래픽 리포터인 Harry Steven은 시간이 지남에 따라 바이러스가 어떻게 퍼져나가며, 우리가 강력한 사회적 거리두기를 실천했을 경우 감염자의 수를 최소화할 수 있다는 가능성을 한눈에 파악이 가능하도록 보여주었다. 놀랍게도, 그의 기사는 한 달 만에 워싱턴포스트에서 발행된 글 중 가장 많이 본 기사가 되었다. 그가 만든 매우 간단한 시뮬레이션 인포그래픽이 사람들의 흥미를 자극하고 빠른 이해를 도와 사람들의 보이지 않는 것에 대한 의심을 잠재웠기 때문일 것이다.
아마 이 글을 읽으러 들어온 독자들 중 대다수의 눈에 위의 이미지가 가장 먼저 눈에 들어왔을 수 있다. 통통 튀는 그림체로 그려진 사람들, 다채로운 색감 그리고 심지어 그래프가 움직이기까지 하니 말이다. 뉴질랜드의 만화가 토비 모리스(Toby Morris)는 미생물학자 수지 와일즈(Siouxsie Wiles)와 시각적인 스토리텔링으로 코로나 19 바이러스의 증상과 확산을 막을 수 있는 여러 가지 방법을 공유했다. 글로 빼곡히 채워진 기사들, 오랜 시간 들여다봐야 하는 영상들과 달리, 위의 이미지들은 많은 사람들에게 하고 싶은 이야기를 단번에 전달했다. (토비 모리스는 지속적으로 코로나 19 바이러스 관련 작업들을 개인 인스타그램 (@XTOTL)에도 업로드하고 있으니 구경 가봐도 좋을 듯하다.)
위와 같이 1-2초 안에 소비자를 설득 가능한 인포그래픽 이미지들은, 오늘날 팬데믹 사태를 겪어 나가고 있는 많은 이들의 관심을 불러일으킴은 물론이고 훗날 비슷한 사태가 벌어졌을 때 다시 참고할 수 있는 기록이 될 수 있을 것이다. 더 나아가, 나는 잘 정리된 인포그래픽과 이미지들은 단순히 현시대의 기록을 넘어서 충분히 역사적인 자료가 될 수 있다고 생각한다. 실제로 선조들의 생각과 정보를 가득 담고 있기에 역사적으로 중요한 유산으로 남게 된 인포그래픽과 이미지들의 사례들을 어렵지 않게 찾아볼 수 있기 때문이다.
현재의 인포그래픽은 미래에 역사적 자료가 되고, 지난 역사는 과거의 인포그래픽과 이미지를 통해 확인할 수 있다.
보이지 않는 것을 보이게 한 “나이팅 게일의 군 병원 개혁안”
역사적으로 인포그래픽의 효과를 가장 잘 표현할 수 있는 사례로 플로렌스 나이팅게일의 군 병원 개혁안(1857년)이 있다. 크림 전쟁이 발발하고 병원에서 근무하던 나이팅게일은 전투로 인해 사망에 이르는 사상자의 수보다 병원 내 위생 문제로 사망하는 병사들의 수가 훨씬 많다는 점을 알게 되었고, 군 병원 내 위생을 돌아볼 필요성을 피력하기 위해 그 수치들을 그래프로 나타내었다. 두 종류의 사망자의 현황을 색깔이 다른 두 개의 그래프로 나타내고 중첩하여 시각적 보여줌으로 영국 왕실로부터 병원 위생 개혁 지원을 이끌어 낼 수 있었다고 한다. 그 결과, 6개월 만에 사망률을 약 40% 줄일 수 있었다고 한다.
모든 시작은 이만 년 전 고대의 동굴의 벽화에서
특히 그림은 사람들이 남기거나 전하고자 하는 메시지를 표현하고자 하는 의도에 의해 그려지기 때문에, 그 어떤 역사적 유물 보다도 알아낼 수 있는 정보들을 많이 응축하고 있다. 인포그래픽을 공부한 학자와 디자이너들은 BC 18500년~ 14000년에 그려졌다고 추정되는 알타미라 동굴벽화(BC 15000년경)와 그와 쌍벽을 이루는 라스코 동굴벽화를 그 시작이라고 이야기한다. 이 두 가지 벽화 속에는 ‘어디서, 어떤 종류의 동물, 몇 마리를 사냥했나’의 정보뿐만 아니라, 자연에서 모든 것들을 채집하고 얻어야 했기에 주술에 의존해 왔던 흔적까지도 보여주고 있다. 이 그림을 통해 우리는 이만 년 전의 사람들의 삶의 모습까지도 유추해 볼 수 있었던 것이다.
중세, 근대를 거쳐 점점 더 발전해온 인포그래픽
역사적으로 대표적인 인포그래픽을 뽑으라고 하면, 한 번쯤은 지도를 떠올릴 만하다. 정 클라우디오스 프톨레마오스가 (AD 90 –AD 168)가 제작한 프톨레마이오스 지도는 그 지리적 정보가 상당히 정확해 중세까지도 표준 지도로 사용하였다고 한다. 또한 14세기 후반에 제작된 카탈루냐 세계지도첩은 지도를 넘어선 정보를 내재하고 있다. 지리학적인 정보는 물론이고 천문학, 점성술 그리고 인물들의 삽화까지 함께 그려 두어 해당 시대에 대한 다채로운 정보를 12쪽의 지도첩에 담아 보여주었다. 단편적인 예로 우리가 가장 흔히 생각할 수 있는 지도를 위주로 설명하였지만, 현대로 다가올수록 나이팅게일의 군 병원 개혁안처럼 특정 분야의 지식 설명의 목적을 위해 만들어진 근대의 인포그래픽 사례들은 수도 없이 많다.
그렇다면, 우리나라의 역사 속에선?
위에서 여태까지 거론된 사례들처럼, 서양의 역사 속에서 인포그래픽은 충분히 연구되어 있기 때문에 그 사례들을 쉽게 찾아볼 수 있다. 그렇다면, 한국 역사 속에선 어떨까? 머릿속에 바로 떠오르는 한국사 속 이미지 한 장면이 있는가? 아마 몇 가지 되지 않을 것이다.
우리나라는 ‘세계 최초의 금속활자, 직지’가 탄생한 나라이며, ‘기록의 나라 조선’이라는 말이 있을 정도로 모든 것들을 체계적으로 잘 기록해 온 역사를 가지고 있다. 기록의 역사만을 두고 보았을 때, 전 세계 어느 나라와 견주어도 밀리지 않는 기록의 역사를 가지고 있다고 한다. 그런 우리나라의 역사 속에서는 어떤 인포그래픽들과 가치 있는 이미지들이 존재했으며 그것을 통해 어떤 정보를 얻을 수 있을까? 다음 편에서는 우리 역사 속 그 사례를 직접 찾아 소개하려 한다.
이번 코로나 19 사태는 순식간에 사회를 바꾸어 혼란을 야기했지만, 아이러니하게도 많은 사람들에게 다양한 호기심을 불러일으킨 듯하다. 사실 어떤 현상이 발생하면 새로운 호기심이 생기게 되고, 그 호기심은 특정한 것을 더 알고 싶게 만든다. 워싱턴포스트의 기사 속 잘 만들어진 인포그래픽이 우리나라 역사책을 다시 들추어 보게 한 것처럼 말이다. 현재 코로나 19가 만들어낸 침체로 인한 우울감에 빠져있기보다, 잠시 멈추어 이 변화 속에서 무엇이 나에게 새롭게 다가왔는지 고민해보고 깊이 있게 알아가 보는 시간을 가져보는 건 어떨까?
<발견 그리고 덧댐과 이음> 참여자
– 기획, 글: 문화 기획자/기업가 도연희
– 역사 자문, 원고 제공: 고고미술사 전공/ 역사책 저자 김원미
– 디자인: 디자이너 주혜림
도연희 문화 기획자/기업가, 슬리퍼스 써밋
감자, 너 나무에서 자라니?
요즘 도시 아이들은 감자가 나무에 달린다고 생각한다.
감자튀김, 감자 칩, 매쉬 포테이토의 형태로만 감자를 접해본 아이들은 감자가 뿌리 식물이며 땅속에서 수확된다는 사실을 알지 못한다. 심지어 감자가 감자 칩 모양으로 생겼다고 생각하는 아이들도 있다.
영국 유학 시절 런던에 놀러 온 친구와 재래시장을 찾았는데, 줄기가 달린 당근을 보고는 당근인 줄 못 알아보았다. 이렇듯 우리는 먹거리가 어떻게 자라고 수확되는지 잘 알지 못한다.
우리는 식탁에 오르는 음식에 대해 얼마나 많은 것들을 알고 있을까. 흙과 먼지가 깨끗이 제거되어 정리된 채소와 과일, 도정을 마친 육류와 어류는 공장에서 찍어낸 플라스틱 제품과 같다. 이처럼 재료의 원산지와 성질에 대한 이해가 부족하다.
바다에서 갓 잡은 고등어, 과연 배를 갈라 내장을 꺼내고 머리와 꼬리를 잘라 손질하는 법을 알고 있는가? 만약 나의 동생에게 생 고등어를 저녁 재료로 줬다면 기겁했을 것이다.
빅토리아 가든
빅토리 가든은 제1, 2차 세계 대전 중에 미국과 영국의 시민들이 자급자족할 수 있는 음식 자원을 더 많이 생산해 내기 위해 국가적 차원에서 이뤄졌던 캠페인으로, 도시에서든 시골에서든 사람들은 빅토리 가든을 만들어 가족이나 친구들, 이웃들이 먹을 채소를 직접 길러 먹었다. 마당이 없는 가정과 함께 밭을 일구고 연대하며 어려운 시기를 함께 이겨냈다.
폭탄이 떨어진 구덩이와 기찻길 옆 그리고 도심 속 공원도 밭으로 개간되었다. 제1차 세계대전 당시 미국에서는, 40%에 달하는 식량이 이 빅토리 가든을 통해서 수확되었다고 한다. 필요한 식량을 직접 수확하면서 위기 상황에서도 흔들림 없이 생활할 수 있는 힘이 길러진 것이다.
1988, 그 시절 우리는
현대인들은 오직 편리를 위한 공장식 사회 시스템에 많이 의존하고 있다. 따라서 식량 생산과정에 대한 지식이 부족할 뿐만 아니라 생활에 꼭 필요한 것들을 스스로 하는 방법을 잊어가고 있다.
2015년 흥행했던 드라마 응답하라 1988 에는 뭐든지 고치는 맥가이버 ‘정봉이 아빠’에 대한 에피소드가 그려지며 망가진 티브이부터 드라이기 그리고 막힌 변기까지 척척 고쳐낸다. 그 시대 사람들, 예를 들어 나의 외할머니가 덧버신을 몇 번이고 기워 신으시는 모습에서 무엇이든 절약하고 고쳐 쓰는 방식의 생활을 엿볼 수 있었다.
대조적으로 현재는 계획적인 노후화가 적용된 생산품이 증가함에 따라 수명이 짧아지고 폐기물이 쌓여가는 속도도 가속되고 있다. 한 가지 예로 패스트 패션은 값싼 원자재와 낮은 품질의 저렴한 제품을 선보이며 수선하는 비용보다 옷을 새로 구입하는 것이 경제적이게 되었다.
원시에서 진보적 문명으로 이행하면서 인간은 자연에 대한 지배를 선포했고 이로 인해 성장 제일주의가 사회 깊은 곳에 자리 잡으면서 더 많이 소유하는 것이 발전이라는 생각이 사회에 뿌리 깊게 내려앉았다. 자연을 오직 우리의 뱃속과 호주머니를 채울 수 있는 자원의 대상으로 바라보기 시작하면서 하나뿐인 지구는 회복하기 힘들 정도로 파괴되고 있다.
코로나 19, 지금 우리는
지금 지구는 자신을 야금야금 파먹으며 병들어가게 하는 인간에 대한 면역체계가 발동된 듯하다. 기후 온난화로 극변 한 날씨부터 멸종되어가는 동식물의 개체수 더 나아가 잦아진 신종 바이러스의 출몰이 극적인 예시다.
빌 게이츠는 open letter에서 신종 바이러스 ‘코로나 19’에 대한 자신의 생각을 밝혔다.
“코로나 19는 우리 사회가 얼마나 물질 위주로 변했는지 가르치고 있습니다. 이런 어려운 시기에는 우리에게 정작 필요한 것을 식료품과 물, 약과 같은 본질적인 것이지, 때때로 필요도 없이 가치를 부여하는 사치품들이 아님을 깨닫게 합니다.”
코로나 바이러스가 전 세계적으로 확산하면서 슈퍼에서 가장 먼저 자취를 감춘 것은 식료품과 약 같은 생활필수품이었다. 부유한 계층도 백화점에 가죽으로 된 명품 백을 사러 가는 대신 제일 먼저 식료품점을 찾았다.
빅토리 가든, 앞으로 우리는
전시 상황에 준수하는 현 팬데믹 사태는 전 세계의 이기주의를 적나라하게 들추어냈다. 생필품 사재기 현상과 인종주의에서 비롯된 차별과 범죄 그리고 통제된 국경은 굳게 닫힌 우리의 마음을 보여주는 듯하다. 또한 산업화된 농경 시스템이 얼마나 비효율적인지 알 수 있는 계기가 되었다.
많은 생필품과 함께 수요가 폭발적으로 늘어난 것은 바로 씨앗이다. 미국에선 팬데믹으로 인한 도시 봉쇄가 강행되면서 농촌과 도시를 연결하는 유통에 차질이 생기면서 심각한 식량난을 겪고 있다. 대안으로 사람들은 자신들의 뒤 마당에 ‘빅토리 가든’을 만들기 시작했다.
https://www.cbsnews.com/news/coronavirus-seeds-americans-grow-food/
단순화되고 단일화된 산업화 시스템에 맞춰 바뀌어버린 우리의 의존적인 삶을 자연과 융합된 주체적인 삶으로서 변화시켜 건강하고 지속 가능한 사회를 만들어 나갔으면 하는 바람이다. 이러한 사회를 만들어 나갈 시작점으로 베란다나 뒷마당에 빅토리 가든을 시작해보는 것은 어떠할까?
지금까지 지구는 기후 위기와 같은 다양한 경고를 보내고 있었고 우리는 아이러니하게도 치명적인 바이러스를 통해 많은 것을 깨닫게 되었다. 절제된 삶을 추구하며 자연에 대한 존중의 자세를 가지고 이를 통하여 조화로운 사회를 만들어 나가야 할 것이다. 미래를 이끌어나갈 세대들에게 농작물에 대한 흥미를 높여 먹거리에 대한 이해도를 높일 수 있도록 하며 더 나아가 자연과 사람의 연결고리에 대한 깊은 성찰과 연구가 이루어져야 할 것이다.
이경아 환경 운동가/영상 감독, 슬리퍼스 써밋
코로나 사태 이후 좋아하는 명화 보기 – 코톨드 미술관 편
코로나로 전 세계인의 반 이상이 집콕을 하면서, 공연은 물론 미술관을 자유로이 가던 그때가 너무 그립다.
영국 또한 예기치 않은 “락다운”으로 미술관과 도서관 모두가 일제히 문을 닫았다. 대영도서관에서 리서치를 해오던 습관을 모조리 벗어던져 버려야 하는 학자들은 난감해했고, 미술 수업을 해야 하는 선생님들은 당황했다.
주변의 아티스트들과 대학교수 등 다양한 미술 프로페셔널은 페이스북 그룹을 만들어서 다양한 팁과 노하우를 공유하고 있는데, 정말 창의적인 콘텐츠가 많다. 또 종종 보이는 유머스러운 대체에 이 상황이 서글프다가도 나도 모르게 피식 웃어버릴 때도 있다.
하지만 여전히 직접 붓을 들어 붓터치 시범을 보여야 하는 수업과 같은 상황에서, <줌> 혹은 <스카이프> 등을 통한 온라인 수업은 고민이 많다.
이렇듯 자유로운 오프라인 활동은 어려워지고 있지만, 뜻이 있는 곳에 길이 있듯 이제 미술관을 가상으로 갈 수 있다! 또 몇몇 미술관은 유료 전시 또한 무료로 제공하고 있으니, 이번 기회에 많은 작품을 접해보자!
그럼 오늘은 아래 링크를 통해서, 코톨드 미술관의 제일 큰 작 품 중 하나인 에두아르 마네의 <폴리 베르제르의 술집>을 함께 만나보자!
위의 링크를 클릭하면 바로 저 작품이 나오는 건 아니다. 반 고흐의 유명한 초상을 지나쳐야 할 수도 있고, 옆 방의 다른 마욜리카 콜랙션에 한눈을 팔 수도 있다.
마네의 이 작품에는 숨어있는 수수께끼들이 있다.
지루해 보이는 그녀의 뒷모습이 거울에 투영되어 보이고, 그 뒷모습은 한 남자랑 이야기를 하고 있다. 이 둘은 동일 인물일까? 그녀가 차고 있는 목걸이의 의미는 무엇일까? 그리고 오래 그림을 훑다 보면 나오는 왼쪽 구석에 서커스 광대의 반신의 의미까지 궁금해진다.
당시 파리에는 ‘모던 라이프’가 등장했고, 그전에 없던 ‘웨이트리스’ 직업이 생겼다. 작품 속 그녀의 삶은 녹녹지 않았던 것 같다. 목걸이는 그녀가 가고 픈 어떤 이상향에 대한 약속일 수도 있다. 그리고 서커스 광대와 카바레는 희극적이고도 슬픈 삶을 상징한 것 일 수도 있다.
기 드 무 파상은 이러한 ‘바텐더’를 사랑과 주류의 판매자 (vendors of drink and of love)라 불렀다. 복잡하고 정신없는 일상 속, 그리고 사람들에게 둘러 쌓여도 외로운 모던 삶의 단상
이 그림 옆에는 에드가 드가의 <발레리나>가 있다. 홈페이지의 작품 이미지를 자세히 클릭해보면 확대되니 거리를 조정해가며 자세히 느껴보자. 실제로 미술 작품 가까이에 가면 경보음이 울리기에 상상할 수 없는 일이지만, 이런 건 좋다.
작품의 발레리나는 약간 들창코를 갖고 있다. 드가는 당시에 유행하던 인상학에 관심이 많았고, 노동자 계급에 특정한 인상이 있다고 믿었다. 발레리나를 즐겨 그린 것도 발레리라는 당시 서커스처럼 고단한 직업이었고, 노동자 계급이 주로 택했던 직업이었기 때문이다. 이 그림은 우리가 위에서 아래로 보는 시점을 그리고 무대 중앙이 아닌 가장자리의 모습을 보여준다 – 마치 무대 오른쪽 박스에서 내려다보는 것처럼. 이 외에도 코톨드에는 오르세이 박물관 버전보다 작지만 그전에 그린 버전인 마네의 가장 유명한 작업 <풀밭 위의 식사>가 있다.
미술관도 가고 싶지만, 정말 여럿이 함께 피크닉을 하는 자유가 언제가 될지. “3명 이상 같이 계심 안돼요! 2미터 사회적 거리 두세요!”라고 경찰이 달려올 것 같은, 누드보다 마스크를 안 쓴 게 더 죄가 되는 기묘한 현실.
오늘 하루, 난 이 미술관 속에서 나오질 못했다.
*실제로 코톨드 미술관은 코로나 사태 이전에 비해 723%가 증가했고 대영박물관 콜랙션 검색은 2,000명에서 175,000명으로 늘었다고 보도됨
김승민 큐레이터, 슬리퍼스 써밋
We curate this playlist for you! A specially curated dish for your evening! The word ‘curate’ seems to be used everywhere. I have been using the ‘curatorial’ as an adjective as in; ‘Iskai art is a curatorial research centre’ or I am writing my ‘curatorial statement’ to define the objectives of curated shows. However, the word curatorial has been undergone various changes and I myself had to define it for me a couple of times.
To curate is an action of organising the way art is displayed, mediated and cared for. Jean-Paul Martinon and Irit Rogoff write “the distinction between ‘curating’, and ‘the curatorial’ means to emphasise a shift from a staging of the event, to curate, to the actual event itself: its enactment, dramatisation and performance’ (1)
Everyone’s curatorial will be different — and to define — I have written a simple analogy. This analogy was to define a special curator’s film I have made. It has become a combination of documentary, fiction, autobiographical and auto-ethnographical accounts; all assembled to create a theoretical visual essay.
Some might say this film evokes an experience of ‘curatorial’ — and certainly, because I have been making exhibitions for the past fifteen years and, I needed a medium that could include grassroots observations surrounding these artists’ works — this comment could be complementary.
In short, it is not only an extended field of my exhibition-making practice, choosing a black box instead of a white cube, or a theatre instead of a gallery space, but also enacting and performing to mediate art and understand artists’ agencies to be read by the public.
So if one asks why my film is curatorial, I would present this analogy.
There is an island in this sea less travelled, and it’s called des Artistes. A captain of a ship who grew up nearby has been going back and forth and around this island for years. She becomes familiar with the certain geography of the island: where to anchor safely when a particular colony of birds arrive and so on. She feels this island is quite central the region with a number of reasons: the cold and warm current meets around this time, and creates certain plankton, attracting these birds and so on.
However, she thinks in order to really understand the island, one needs to go underwater. Together with engineers and sailors, she builds a submarine that fits the journey she wants. She consults with geologists who advise her about the strata of the island from their own memories of seeing similar geography. In fact, she does not just scuba dive from the shore because she wanted to eventually share the findings to a bigger public. Would I present a nano tank that shows the organism underneath, she thinks and shakes off the idea. After all, she was not interested in portraying the world in an exact diorama, but it was the journey that she wanted to convey. The island was a part of a bigger world she knew of, not the Galapagos either where David Attenborough had been with his powerful team. It has been visible from the shore where she grew up, and she knew the lighthouse man from her sailing days. The knowhows were not from books only (although she looked up past sailors’ memoir and divers’ fish charts) but through her sailing experiences.
But since it is impossible to re-present the submarine trip as a whole, she thinks creatively…perhaps by using sound effects; she might create an immersive atmosphere? She is lost in her thoughts about how to present the diverse photographs, videos and her observations.
Rogoff, Jean-Paul Martinon and Irit. 2013. ‘Preface.’ in Jean-Paul Martinon (ed.), The Curatorial: Philosophy of Curating, p. xi
By Stephanie Seungmin Kim