우리 역사 속 기억 상자를 찾다 – 한국 역사 속 인포그래픽과 이미지

방대한 정보가 흘러넘치는 지금, 보는 이들의 흥미를 자극하면서도 직관적인 전달력을 부여할 수 있는 시각화 방법인 인포그래픽을 얼마나 잘 활용하느냐에 따라 정보의 가치는 달라진다

수많은 정보들 중 코로나 19 바이러스에 대한 정보가 유독 눈에 들어오고, 오래 기억에 남는 정보의 시각화를 선보인 사례들을 보며, 문뜩 ‘누군가가 수십 년 후에 이 이미지를 보며 우리의 삶을 해석하지 않을까’ 하는 궁금증이 생겨났다.

우리는 과거의 인포그래픽과 시각화된 이미지들을 보며 선조들의 모습을 유추해왔고, 서양에서는 많은 오래된 인포그래픽 사례들이 역사적 중요성을 인정받아 분석되어 왔다. 그렇다면 우리 역사 속에선 어떤 사례들을 찾아볼 수 있을까?

2편. 우리 역사 속 기억 상자를 찾다 

– 한국 역사 속 인포그래픽과 이미지 

잠깐!  2편을 시작하시기 전에 1편 ‘마구 쏟아지는 정보를 단단하게 정리해둔 인포그래픽과 이미지는 역사가 된다.’를 아직 읽지 못하신 분들은 1편을 확인해주세요.

1. 대동여지도 <우리나라 지도의 밑거름이자, 지리적 정보의 결정체>

대동여지도는 1861년 김정호가 목판으로 제작하여 간행한 초대형 지도다. 조각들을 모두 펼쳐서 연결하면, 그 크기가 무려 세로 약 6.7m, 가로 약 3.8m로 요즘 건물로 치면 3층짜리 건물 정도의 높이라 볼 수 있다. 22첩으로 구성된 대동여지도는 전체를 연결하면 전국 지도가 되지만, 각각의 장들을 접으면 책 크기 정도가 되어 휴대가 편리하게 제작되었다. 물론 조선시대에는 지도제작 기술이 발전하여, 김정호가 대동여지도를 내놓기 이전에도 국가와 민간에서 여러 종류의 지도가 제작되고 있었지만, 대동여지도야말로 그 모든 지도 제작 전통과 지리학적 정보가 시각적으로 집대성된 지도의 끝판왕이라고 할 수 있다. 

정확한 산줄기와 물줄기의 표현은 물론이거니와 현대의 지도처럼 지도표를 활용하여 지도에 사용된 기호들을 정리해 두었다. 각각의 산줄기의 모습을 크기와 중요도에 따라 다르게 표현하여 높이를 가늠할 수 있게 하였고, 심지어 제작될 당시의 지리적 정보뿐만 아니라 이미 사라진 지리적, 역사적 흔적까지도 찾아볼 수 있도록 제작하였다고 한다. 

특히, <대동여지도> 목판을 보면, 정확한 지리적 지식을 많은 사람들에게 보급하고자 한 김정호의 끊임없는 노력을 느낄 수 있다. 여러 장의 인쇄가 가능했고, 하나하나를 필사할 때 생기는 오류를 줄였으며, 지도의 보급과 대중화에 크게 기여하였다. 뿐만 아니라, 목판 안에는 김정호가 지도의 제작 완료 후에도 꾸준히 누락된 부분과 오류가 있는 부분들을 수정하고자 했던 흔적들이 남아있다. 

2. 혼일강리역대국도지도 <동양에서 가장 오래된 세계지도>

수백 년 전 한국의 역사 속에서 아프리카를 찾아볼 수 있을 것이라는 생각을 해보았는가? 이 지도(혼일강리역대국도지도)는 중국 원나라 때 (조선 1402년) 즉, 육백 년 전에 제작되었음에도 불구하고, 우리나라와 중국은 물론 아프리카의 지리적 정보까지 시각화하여 담고 있다. 

이는 지난 1편에서 소개된 프톨레마이오스 세계지도보다 80년 빠르게 제작된 세계지도이다. 프톨레마이오스 세계지도를 보면 대서양에서 인도양으로 나가는 바닷길이 막혀 있으며, 유럽인들은 당시에 아프리카의 남쪽이 세상의 끝으로 죽음의 땅으로 인식했다고 한다. 하지만 우리의 혼일강리역대국도지도를 보면, 대륙들의 실제 크기와 비례하는 비율과는 차이는 있지만, 지도에 그려진 대륙들의 모습은 전 세계의 바다의 모습이 현재 우리가 알고 있는 모습과 흡사하다. 

혼일강리역대국도지도는 한국과 중국을 다른 나라들에 비해 크게 그렸다는 점에서 논란이 있었다. 하지만, 이는 우리 선조들의 무지로 인해서였다기보다는 중국을 상당히 중요시했으며 중국과 함께 조선도 문화 대국임을 나타내고자 한 의도였다는 학자들의 의견이 더욱 신빙성이 있다.

3. 천상열차분야지도 <2000년 전의 하늘을 담은 별자리 지도 – 천명사상>

천상열차분야지도는 태조 4년(1395년)에 돌에 새겨 제작한 별자리 지도로, 천문 현상을 12 분야(分野)로 나누어 차례대로 펼쳐놓은 그림이라는 뜻을 가진 지도이다. 중앙의 원형에는 총 1,467개의 별을 표시했고, 그 주변에 별자리 구획과 의미, 제작 의의, 제작 연월일, 제작에 참여한 관원의 이름 등을 설명한 글을 적어두었다. 즉, 우리 역사 속에서 찾아볼 수 있는 가장 대표적인 인포그래픽 사례 중 하나라고 볼 수 있다. 역사적으로 우리나라는 농경사회였기에 효율적 농업을 위해서 해와 달 그리고 별의 변화를 관찰하고 절기와 시각을 알아내는 것은 굉장히 중요했다. 

따라서 오래전부터 하늘을 관측하고자 하는 노력은 역사적으로 여러 곳에서 찾아볼 수 있었으나, 천상열차분야지도처럼 모든 정보를 시각적으로 한눈에 들어오도록 정리된 사례는 드물다. 

또한, 천상열차분야지도가 함축하고 있는 그 상징적인 정보와 의미도 무시할 수 없다. 동아시아의 대부분 나라에서는 ‘천명을 받아야 왕이 될 수 있다. (천명사상)’ 고 믿는다. 이에 따라, 대부분의 왕들은 자신들이 세상을 통치할 수 있는 권한을 준 하늘의 뜻, 천문학을 통해 이해하고 이를 세상에 반포하고자 했다고 한다. 천상열차분야지도의 하단부를 보면 권근*이 적은 설명이 있다. 

*권근 權近: 1352 ~ 1409, 고려 말 ·조선 초의 문신·학자로 조선 전기 중추원사, 대사헌 등을 역임하였다.

옛날에 평양성에 있던 본래의 천상열차분야지도의 석본이 전쟁으로 인해 강에 빠져 잃어버렸고, 태조가 천명을 받아 조선을 건국한 그해에 누군가가 그것의 인본을 바쳤다고 한다. 후에 돌에 새겨두라는 태조의 지시에 따라 권근과 10여 명의 학자들이 수정하고 연구하여 석각본을 완성해 두었다고 한다. 

4. 의궤 <우리나라 고유의 기록의 꽃 의궤>

의궤는 조선왕조 500여 년의 국가 주요 행사들을 훗날 참고할 수 있도록 세세한 글과 그림으로 남겨둔 기록물이다. 그 가치가 고유하다고 인정받아 2007년에 세계기록유산에 등록되었다. 의궤와 같은 형태의 편찬 양식은 오직 조선왕조를 제외하고는 전 세계를 통틀어 찾아볼 수 없다고 한다. 왕실의 혼례, 장례, 사절단의 환대, 행차 등을 비롯한 왕실의 생활의 다양한 측면을 아주 자세하게 담아두었다. 행사에 사용된 의복과 물품의 이름, 모양, 수량, 빛깔 그리고 참여한 모든 인력의 그림과 이름까지, 의궤를 들여다보고 있으면 누구든 감탄이 절로 나올 수밖에 없을 듯하다. 

물론, 우리가 통상적으로 알고 있는(순서) 많은 정보를 한눈에 알아볼 수 있도록 시각화한 인포그래픽과는 조금 차이가 있다. 하지만, 다량의 정보를 효율적으로 전달하기 위한 방법으로 글 뿐만 아니라 그림과 도해*와 함께 서술했다는 점에서 어느 정도 일맥상통하는 점이 있다고 생각한다. 행사와 의식에 참여하는 모든 사람들과 물품들의 위치와 같은 정보들은 한자로 설명을 더한 그림과 도표로 기록해 두었다. 

*도해 : 글의 내용을 그림으로 풀이하여 보여주다.

현대의 학자들이 보아도 그 모든 부분을 단박에 파악할 수 있을 정도로 세세하게 모든 내용들이 정리되어 있다. 심지어 모든 그림들이 채색되어 있으며 그 형태와 색은 현대의 시각 자료에 익숙해져 있는 우리가 보아도 세련되었다고 느낄 정도이다. 얼마 전 ‘왕조실록, 의궤 박물관’에 방문하였는데, 오랜 시간 의궤 속의 그림과 도해의 감각적인 아름다움에서 빠져나오지 못했던 기억이 난다. 의궤와 관련된 더욱 자세한 내용들은 후에 3편 및 디자인 결과물들과 함께 더욱 깊이 있게 다뤄질 예정이다. 

위에서 설명한 네 가지의 유물들은 다량의 정보를 체계적으로 글과 그림을 통해 기록한 시각적 사료로, 그 가치를 인정을 받아 수백 년간 전해 내려오고 보존되어 왔다. 그리고 그 속의 정보들을 읽다 보면 자연스레 이런 유물들을 만든 이들과 그들의 의도, 그리고 비하인드 스토리가 궁금해지기도 한다. 

예를 들어, 대동여지도에 대해 알아가다 보면 그 속에 들어 있는 ‘정보’ 즉 역사적 사실 외에 “고산자(古山子) 김정호가 이 지도를 펴낸 이유와 과정, 그리고 그는 누구인가.”를 궁금해하게 되는 것처럼 말이다.

 

대동여지도와 김정호의 경우, 지도의 구체적인 제작 과정과 그의 개인적 정보에 대해 정확하게 알려진 것들이 많지 않아서, 과거의 다른 기록이나 유물 속에서 힌트를 찾아 나가곤 했다. 그렇다 보니, 우리가 어릴 적부터 들어본 “김정호가 전 국토를 여러 차례 직접 유람하고 측정해서 대동여지도를 제작했다.”라고 하는 전국 유람설부터 다양한 추측들이 전해 내려오기도 한다. 물론, 김정호의 “옥사설”과 같이 누군가의 의도에 의해 왜곡되어 전해졌다고 추정되는 ‘설’ 들도 상당하기에 항상 깊이 있는 사실 확인이 필요하다. 그럼에도 불구하고, 잘 시각화된 기록일수록 시대가 지나도 즉각적으로 얻을 수 있는 정보의 양이 많다 보니, 그 기록을 통해 과거의 정보들을 알게 된 사람들은 자연스럽게 제작 의도를 궁금해하고, 자신들의 시대적 가치관을 담은 해석을 덧대 나간다. 

필자는 왜곡이 없는 제대로 된 역사적 사실을 알고, 그에 대한 우리의 올바른 가치관에서 비롯된 생각과 이야기들의 덧댐은 과거와 현재를 이어나가는 것이고, 훗날을 살아가는 이들에게까지 지속적으로 이어질 또 다른 역사가 된다고 생각한다. 

문자와 그림을 통한 기록은 사람들이 애초에 의도를 가지고 활용하는 경우가 많기에, 그 자체로도 상대적으로 다른 유물들에 비해 많은 정보를 제공한다. 따라서, 그렇게 제공된 정보를 따라 깊이 있는 연구와 해석이 이루어진 사례들이 굉장히 많다. 반면, 기록 형태가 아닌 우리 선조들의 유/무형적 유산들도 세계 어느 곳에 내놓아도 충분한 가치를 가지고 있는 것들이 많으나, 그 가치들의 깊이가 직관적으로 전달되기 어렵다는 점에 안타까움을 느꼈다. 특정 유물에 대해 충분히 검토된 관련 사실들과 그것을 바탕으로 새롭게 해석된 자료가 시각적으로 덧대지면, 그 고유의 가치를 한번 더더욱 널리 알려질 수 있는 계기가 될 수 있다고 생각한다. 

따라서, 앞으로 이 ‘발견 그리고 덧댐과 이음’ 프로젝트는 

l   ‘발견’ (과거): 그러한 보배로운 유물들 중 10개를 선정하여, 그와 관련된 우리가 왜곡되지 않은 상태로 꼭 알아야 할 역사적 사실들을 연구하고 찾아내어, 현대인들도 이에 흥미를 가질 수 있도록 시각적으로 배치한다.

l   ‘덧댐’ (현재) : 우리가 알아야만 하는 우리 유물의 정보와 가치를 정리해 나가는 과정에서 드러나는 우리의 가치관, 예를 들어, ‘필자가 이 프로젝트를 기획하고 과정, 필자가 느끼는 점들, 디자이너가 시각적으로 풀어나가는 과정에서 생각하는 것들, 역사학자가 개인적으로 더욱 끌리는 내용 그리고 전문가들의 견해’ 등을 덧댄다. 

l   ‘이음’ 그리고 ‘다시 발견’ (미래): 유물을 알아가며 과거와 현재가 이어지고, 또한 이 글과 디자인 결과물을 보게 될 독자/ 관객과 이어진다. 뿐만 아니라, 독자로 하여금 새로 알게 된 정보를 바탕으로 이후에 스스로 더 찾아보고 관심을 가지게 되길 바란다. 독자가 다시 발견한 이야기들이 우리가 만든 작업물 위에 추가적으로 덧대질 수 있는 형태의 결과물을 제작해 나가려고 한다. 

다음 편부터는 이 프로젝트를 진행해나가는 과정이나 선정한 ‘우리나라의 보배로운 유/무형적 유물 10가지’를 다룬 중간 완성물들을 부분적으로 공유하고자 한다. 

 

 

도연희 문화 기획자/기업가, 슬리퍼스 써밋

젊은 고고학자 노르베르트 하놀트(Norbert Hanold)는 로마 여행 중 목도한 부조 조각상이 마음에 들었고 이를 석고로 떠 독일로 가져왔다. 그리고 그 석고 부조를 연구실 한편에 몇 년 동안 걸어 두었다.

그러던 어느 날, 하놀트는 그 석고상의 발을 주시하게 된다. 그리고 그는 그녀의 걸음걸이가 마음에 들어, 그 석고 부조에  “앞으로 걸어가는 자”라는 뜻의 고유명사 ‘그라디바’라는 이름을 붙였다.

이후 점점 그의 그라디바에 대한 상상과 추측은 커지고, 꿈에서도 베수비오 화산 폭발의 아수라장 속 그라디바를 보게 되는 지경에 이르렀다. 꿈속에서 그는 그녀를 불렀다. 꿈속의 그녀는 그 소리를 못 듣고 화염에 떨어졌지만, 그는 잠에서 깨자마자 어떤 확신에 찬다. 그리고 그는 ‘잿더미’ 속에서라도 그녀의 흔적을 찾기 위해 폼페이로 가게 된다. 잠깐, 여기까지는 소설이다.

1902년 출판된 빌헴 얀슨(Wilhelm Jensen)의 소설 그라디바 (Gradiva)는, 폼페이를 배경으로한 판타지 소설이다. 이 소설은 1907년, 지그문트 프로이트에 의해 ‘무의식 욕망이 꿈에 나타나는 예[1]라고 정신분석적으로 해석됐다. 이후 제1, 2차 대전이 끝나고 이 글은 세기적 사상가 자크 데리다에 의해 다시 분석되었다. [2] 

유대인이었던 데리다와 잿더미 속 흔적을 찾아 떠나는 독일 고고학자 모습은, 아이러니하게 데칼코마니 같았다. 필자는 정신분석학 전문가도 아니고, 뇌 과학 관련 최신 책에 관심을 두는 정도이지만, 지난 테이트 모던 20번째 생일, 소설 속 하놀트와 같이 현실과 착란이 꿈속에서 퍼즐처럼 맞춰지는 현상을 경험했다. 

5월 11일, 오늘은 테이트 모던 생일이다. 

테이트 모던은 2000년에 문을 열었다. 그 당시 소더비 경매소의 미술사 학도이던 필자는, 스위스 친구의 플러스 원으로 테이트 모던에 갔다. 건물은 당시 (도전했던 다른 건축가들에 비해) 잘 알려지지 않은 자크 헤르조그와 피에르 드 뮈롱에 의해 재건축됐다. 원래의 건물을 살려 통유리 위에 살짝 층을 올려 무거움을 덜고, 건물 반쪽은 아예 층고를 없애 바닥부터 천장까지 길이가 높은 작품을 설치할 수 있도록 했다.

그 당시에도 런던에는 스타 건축가들이 많았다. 그럼에도 불구하고 초대형 현대미술관의 등장에 안도 타다오 (본태 박물관 디자인 및 건축가)나 데이비드 치퍼필드 (아모레 미술관 디자인)와 같은 건축가를 선택하지 않은 이유는, 길즈 길버트 스콧 경 (Sir Giles Gilbert Scott)이 ‘본질적 정체성(essential identity)’를 유지하길 원했기 때문이다.

테이트 모던에 들어가면 가장 먼저 경험할 수 있는 건 높은 층고와 이 창문들이다. 사다리처럼 길게 쭉 뻗은 창문들이 일정 간격으로 반복되어 있다. 그리고 이는 밖에서 봤을 때와, 안에서 봤을 때 그 느낌이 다르다. 

층고가 낮고 바닥이 나무인 작은 공간 안에도 창문들은 일제히 뻗어있다. 그 창문 앞에서 자코메티의 조각을 본 적도 있고, 최근에는 창문 밖으로 착시효과가 일품인 울리파 엘리아슨이 설치한 24시간 비가 오는 듯한 작품을 본 적도 있다. 나는 20년간 런던에서 생활 동안  테이트 모던에 갔고, 종종 영국을 방문하는 귀빈이나 친한 친구에게 작은 미술사 투어를 해주곤 했다. 

“이 건물은 길버트 스콧의  화력발전소를 바꾼 곳이에요. 이 길게 난 창문 어디서 본 것 같지 않으세요? 길즈 길버트 스콧 경(1880-1960, 편의상 ‘길버트 스콧’)은 빨간 공중전화 박스를 디자인한 건축가예요. 전화박스를 보시면 이 네모난 창문이 폭과 너비가 왠지 비슷하죠?”

런던의 아이콘 길버트 스콧의 빨간 공중전화박스. 

이 전화박스 안에서 수화기를 들고 스냅을 남기지 않은 방문객이 있을까? 리버풀 대성당부터 베터시 화력발전소까지 굵직한 규모의 건축물의 인상이 강해서인지, 귀엽고 빨갛고 둥글둥글한 전화박스가 길버트 스콧의 디자인이라니 상상이 잘 안 간다. 길버트 스콧의 이 디자인은, 존 소안 (John Soane, 1753-1837) 경의 ‘무덤’ 디자인에서 영감을 받았다고 한다. *그 무덤은 실제로 킹스크로스 역 근처라 방문하기 좋다. 

존 소안 경이 살던 집은 이제 <소안 뮤지엄> 이 되었는데, 가보지 않았다면 꼭 가보길 추천한다. 옥스퍼드 건축 사전은 이 소안 뮤지엄을 “one of the most complex, intricate, and ingenious series of interiors ever conceived”라고 평했으니. 뮤지엄 안에는 앞서 말한 그 무덤의 모델도 있다. 기념비같이 독특한 사면체의 천장과 돔이 특이했고, 어쩌면 소안 뮤지엄도 하나의 그의 ‘모솔레옴’이기에, 뮤지엄 속 뮤지엄처럼 느껴지기도 한다. 

소안은 영국 중앙은행부터 덜위치 미술관까지 신고전주의 양식의 건축물들을 남겼고 로열 아카데미에서도 명성을 날렸으나, 길버트 스콧은 파란만장한 가정사를 가지고 있다. 부인을 먼저 보내고, 아들과는 의절했다. 그리고 그는 자신이 디자인한 무덤에 묻히며 생을 마감했다. 

 

아래 – 이 RIBA의 디자인을 보면 길버트 스코트의 디자인과 그 무덤의 유사점을 알 수 있다.

여기까지는 알던 지식이다. 그리고 지금부터는 발견한 것에 대한 이야기를 해보고자 한다. 

‘터무니’라는 말은 우리 옛 지도 속 산과 계곡이 분명하고, 물길과 터가 무늬처럼 새겨져 있는 곳에서 비롯됐다. 그런데 우리는 그 터의 기억을 끊임없이 지우고 있다. 아파트들은 재건축되고, 남아있는 조그만 길들은 젠트리피케이션이 되다 못해 망가지고 있다. 

나는 한국에서 태어나 중학교 때까지 자랐고 영국에서 또 그 시간만큼 살았기에  나의 ‘터’에 대한 생각을 자주 하게 된다. 특히, 코로나로 인해 자가 격리 중엔 더 그랬다. 혼자 있는 시간이 대부분이고, 한국보다 훨씬 더 엄한 ‘럭 다운’에 식당은 말할 것도 없고 학교, 교회, 절, 모스크, 미술관, 도서관이 모두 문을 닫았다. 사실 이런 생활을 지낸 시간이 7주인지 8주인지 정신이 혼미하다. 한 공간에서 자고, 먹고, 일하고, 공부까지 하다 보니 그럴 수밖에.. 

영국은 사망자가 3만 명이 넘었다. 그래서 나는 아무도 없는 새벽에 가까운 리젠트 파크를 뛴다. 집 안에서는 해를 따라 이동한다. 이 전에는 잠만 자던 집이었기에,  10년을 살았는데 단 한 번도 이 건물의 건축가에 대해서 생각해본 적이 없었다. 내부 디자인은 스타 건축가 필립 스탁이 맡았다는 건 알고 있었지만, 거기까지였다. 또, 이 건물은 전화국으로 사용되었다는 것 정도만 알고 있었기에 집 앞 유난히 긴 빨간 전화박스를 보고도 그러려니 했다. 

그러던 중 소파에 앉아서 핸드폰을 살펴보다 벌써 20주년이 된 테이트 모던 소식을 여기저기에서 접했다. 

‘아 시간이 그렇게 흘렀네’ 하며 늘 그렇듯 창문을 통해 바깥세상을, 지나가는 구름을  보던 중 갑자기 어떤 확신이 들었다. 

“아, 이 창문!”

나는 미치도록 궁금했다. 인터넷에 건물의 이름을 검색했지만, 온통 필립 스탁 이야기뿐. 이렇게 저렇게 온라인으로 조사를 하던 중, 길버트 스콧의 아카이브 리스트에서 우리 길 주소를 확인했다. 건물로 내려가 밖에서부터 다시 창문을 봤다. 내가 왜 이걸 지금 알았을까? 또 늘 보던 대영도서관 옆 세인트 펜 크라스 역과 왕립 예술학교 앞 알버트경의 메모리얼은 그의 할아버지인 조지 길버트 스코트 경이 이 건물을 디자인했다는 것이다. [4] 

멍하니 나는 어떻게 이렇게 무지할 수 있었을까 생각했다. 그리고 내가 살던 건물에 대해 잘 모르는 것은 둘째치고 이렇게 계보를 남기는 영국이 부러웠다. 

문득 지난겨울 김수근의 르네상스 호텔이 허물어지는 것을 보며 안타까웠던 기억이 떠올랐다. 큐레이터 시절을 막 시작했을 때 도움을 많이 줬던 기자분들이랑 자주 가던 피맛골도 이제는 없고, 을지로도 이제는 없어지는데, 그땐 어디서 흔적을 찾을까? 정말 나도 콘크리트 바닥에서 을지로의 작은 부품 하나를 찾는 꿈을 꿀까. 

젊은 고고학자 이야기로 시작한 이유는, 그가 폼페이에 가서 발견한 것에 있다. 거기서 그는 그라디바와 너무 비슷한 여성을 만났고 그는 다짜고짜 그녀에게 말을 건다. 나중에 알게 된 사실은 그녀는 하놀트의 옆집에 살던 동물학자의 딸이고 둘은 어릴 적 어울리곤 했었다는 것이다. 말하자면 그녀는 하놀트가 무의식적으로 좋아하던 ‘첫사랑’이었다. 하놀트는 그녀의 특이한 걸음걸이를 기억하고, 이 흔적을 부조에서 투영해, 그 조각상의 상상의 주인공을 사랑하게 되었다는 이야기인 것이다. 

나는 예술사 학도 시절 그 창문에서 무엇을 본 걸까? 거대한 미술 세계? 미술사의 계보? 테이트 모던으로 시작된 현대미술 중심으로서의 런던 도약의 시작? 어쩌며 10년 전 수백 개의 집을 방문하고 살 집을 고르던 중, 이 집에 푹 빠진 것도 (정말 문을 열자마자 내 집이 되리란 걸 알았다) 그 창문을 알아봐서 일까? 

김승민 큐레이터, 슬리퍼스 써밋

 

[1] 지그먼트 프로이드, <W . 옌센의 『 그라디바 』에 나타난 착란과 꿈>, 1906

[2] 자크 데리다, <아카이브 열병>. 1995

[3] 소안의 아들은 익명으로 자신의 아버지가 자신의 mausoleum을 짓고 있다 고발했고 어머니는 화병으로 죽었다. 

[4] 필자가 박사과정을 하는 곳이 왕립 예술학교로 학교로 가려면 알버트 홀 기념비를 지난다. 나머지는 시간은 대영도서관에서 보내는데, 그래서 내리는 역이 센 판크라스다.  

알버트 메모리알 (1861년 사망한 알버트 왕자를 기리기 위해 그의 부인 빅토리아 여왕이 준비한 기념상)  1872년에 완성됐고 (왕자 조각은 1876년). 

코로나 사태 이후 좋아하는 명화 보기 – 코톨드 미술관 편 

 

코로나로 전 세계인의 반 이상이 집콕을 하면서, 공연은 물론 미술관을 자유로이 가던 그때가 너무 그립다.

 

영국 또한 예기치 않은 “락다운”으로 미술관과 도서관 모두가 일제히 문을 닫았다. 대영도서관에서 리서치를 해오던 습관을 모조리 벗어던져 버려야 하는 학자들은 난감해했고,  미술 수업을 해야 하는 선생님들은 당황했다. 

 

주변의 아티스트들과 대학교수 등 다양한 미술 프로페셔널은 페이스북 그룹을 만들어서 다양한 팁과 노하우를  공유하고 있는데, 정말 창의적인 콘텐츠가 많다. 또 종종 보이는 유머스러운 대체에 이 상황이 서글프다가도 나도 모르게 피식 웃어버릴 때도 있다. 

하지만 여전히 직접 붓을 들어 붓터치 시범을 보여야 하는 수업과 같은 상황에서, <줌> 혹은 <스카이프> 등을 통한 온라인 수업은 고민이 많다.

 

이렇듯 자유로운 오프라인 활동은 어려워지고 있지만, 뜻이 있는 곳에 길이 있듯 이제 미술관을 가상으로 갈 수 있다! 또 몇몇 미술관은 유료 전시 또한 무료로 제공하고 있으니, 이번 기회에 많은 작품을 접해보자!

 

그럼 오늘은 아래 링크를 통해서, 코톨드 미술관의 제일 큰 작 품 중 하나인 에두아르 마네의 <폴리 베르제르의 술집>을 함께 만나보자!

https://courtauld-website-static-hosting.s3.eu-west-2.amazonaws.com/vr_tour/indexv2.html?xml=room_02-1.xml 

위의 링크를 클릭하면 바로 저 작품이 나오는 건 아니다. 반 고흐의 유명한 초상을 지나쳐야 할 수도 있고, 옆 방의 다른 마욜리카 콜랙션에 한눈을 팔 수도 있다. 

마네의 이 작품에는 숨어있는 수수께끼들이 있다.

 

지루해 보이는 그녀의 뒷모습이 거울에 투영되어 보이고, 그 뒷모습은 한 남자랑 이야기를 하고 있다. 이 둘은 동일 인물일까? 그녀가 차고 있는 목걸이의 의미는 무엇일까? 그리고 오래 그림을 훑다 보면 나오는 왼쪽 구석에 서커스 광대의 반신의 의미까지 궁금해진다.

 

당시 파리에는 ‘모던 라이프’가 등장했고, 그전에 없던 ‘웨이트리스’ 직업이 생겼다. 작품 속 그녀의 삶은 녹녹지 않았던 것 같다. 목걸이는 그녀가 가고 픈 어떤 이상향에 대한 약속일 수도 있다. 그리고 서커스 광대와 카바레는 희극적이고도 슬픈 삶을 상징한 것 일 수도 있다.

 

기 드 무 파상은 이러한 ‘바텐더’를 사랑과 주류의 판매자 (vendors of drink and of love)라 불렀다. 복잡하고 정신없는 일상 속, 그리고 사람들에게 둘러 쌓여도 외로운 모던 삶의 단상

이 그림 옆에는 에드가 드가의 <발레리나>가 있다. 홈페이지의 작품 이미지를 자세히 클릭해보면 확대되니 거리를 조정해가며 자세히 느껴보자. 실제로 미술 작품 가까이에 가면 경보음이 울리기에 상상할 수 없는 일이지만, 이런 건 좋다.

 

작품의 발레리나는 약간 들창코를 갖고 있다. 드가는 당시에 유행하던 인상학에 관심이 많았고, 노동자 계급에 특정한 인상이 있다고 믿었다. 발레리나를 즐겨 그린 것도 발레리라는 당시 서커스처럼 고단한 직업이었고, 노동자 계급이 주로 택했던 직업이었기 때문이다. 이 그림은 우리가 위에서 아래로 보는 시점을 그리고 무대 중앙이 아닌 가장자리의 모습을 보여준다 – 마치 무대 오른쪽 박스에서 내려다보는 것처럼. 이 외에도 코톨드에는 오르세이 박물관 버전보다 작지만 그전에 그린 버전인 마네의 가장 유명한 작업 <풀밭 위의 식사>가 있다. 

미술관도 가고 싶지만, 정말 여럿이 함께 피크닉을 하는 자유가 언제가 될지. “3명 이상 같이 계심 안돼요! 2미터 사회적 거리 두세요!”라고 경찰이 달려올 것 같은, 누드보다 마스크를 안 쓴 게 더 죄가 되는 기묘한 현실. 

 

오늘 하루, 난 이 미술관 속에서 나오질 못했다. 

 

*실제로 코톨드 미술관은 코로나 사태 이전에 비해 723%가 증가했고 대영박물관 콜랙션 검색은 2,000명에서 175,000명으로 늘었다고 보도됨

 

 

김승민 큐레이터, 슬리퍼스 써밋

We curate this playlist for you! A specially curated dish for your evening! The word ‘curate’ seems to be used everywhere. I have been using the ‘curatorial’ as an adjective as in; ‘Iskai art is a curatorial research centre’ or I am writing my ‘curatorial statement’ to define the objectives of curated shows. However, the word curatorial has been undergone various changes and I myself had to define it for me a couple of times.

To curate is an action of organising the way art is displayed, mediated and cared for. Jean-Paul Martinon and Irit Rogoff write “the distinction between ‘curating’, and ‘the curatorial’ means to emphasise a shift from a staging of the event, to curate, to the actual event itself: its enactment, dramatisation and performance’ (1)

Everyone’s curatorial will be different — and to define — I have written a simple analogy. This analogy was to define a special curator’s film I have made. It has become a combination of documentary, fiction, autobiographical and auto-ethnographical accounts; all assembled to create a theoretical visual essay.

Some might say this film evokes an experience of ‘curatorial’ — and certainly, because I have been making exhibitions for the past fifteen years and, I needed a medium that could include grassroots observations surrounding these artists’ works — this comment could be complementary.

In short, it is not only an extended field of my exhibition-making practice, choosing a black box instead of a white cube, or a theatre instead of a gallery space, but also enacting and performing to mediate art and understand artists’ agencies to be read by the public.

So if one asks why my film is curatorial, I would present this analogy.

There is an island in this sea less travelled, and it’s called des Artistes. A captain of a ship who grew up nearby has been going back and forth and around this island for years. She becomes familiar with the certain geography of the island: where to anchor safely when a particular colony of birds arrive and so on. She feels this island is quite central the region with a number of reasons: the cold and warm current meets around this time, and creates certain plankton, attracting these birds and so on.

However, she thinks in order to really understand the island, one needs to go underwater. Together with engineers and sailors, she builds a submarine that fits the journey she wants. She consults with geologists who advise her about the strata of the island from their own memories of seeing similar geography. In fact, she does not just scuba dive from the shore because she wanted to eventually share the findings to a bigger public. Would I present a nano tank that shows the organism underneath, she thinks and shakes off the idea. After all, she was not interested in portraying the world in an exact diorama, but it was the journey that she wanted to convey. The island was a part of a bigger world she knew of, not the Galapagos either where David Attenborough had been with his powerful team. It has been visible from the shore where she grew up, and she knew the lighthouse man from her sailing days. The knowhows were not from books only (although she looked up past sailors’ memoir and divers’ fish charts) but through her sailing experiences.

But since it is impossible to re-present the submarine trip as a whole, she thinks creatively…perhaps by using sound effects; she might create an immersive atmosphere? She is lost in her thoughts about how to present the diverse photographs, videos and her observations.

Rogoff, Jean-Paul Martinon and Irit. 2013. ‘Preface.’ in Jean-Paul Martinon (ed.), The Curatorial: Philosophy of Curating, p. xi

By Stephanie Seungmin Kim

In the West, memory has always been considered important. For Plato, it was a repository of divine knowledge. The Greek goddess of memory was called Mnemosyne. She had nine daughters or the nine muses; Clio, who represents history, was one of them. Thus, in the West, memory was historically seen as the storage of truth or history. This continued in Roman times: Cicero talks about mnemonics as a technique of the memory to place narratives in places to remember.

By contrast, in the East, people emphasised the importance of “forgetting well”. Sunyata in the Buddhist creed meant perfection. The Daoists’ famous phrase begins “the way that can be named is not the way”. All experiences are devoid of “things”, and one needs to empty one’s mind — so some creeds emphasise. However, do we not live according to how we have lived and does this not make us who we are? While I have been trying to “meditate”, thinking how life and material things are just passing me — as I have been going through some personal circumstances when I needed to say goodbye to many material things — meeting Nata made me think about my past and present in a different light. The power of art was from the prism of life that was refracted through the eyes of artists. It made me want to write about her art — to suggest this to you:

“Think about a scenario in which you cannot physically access places that are associated with your past. How would you feel?”

I have realised that I put memories inside mental drawers, with the top drawer being full of my most recent and frequent memories. So I shuddered at the thought of losing the key to that drawer: this drawer full of precious things that I treasure most. Can you empty them metaphysically and move on?

Nata Sopromadze is from Sukhumi.
It is a beautiful city on the Black Sea. Sukhumi was the capital of Abkhazia. In 1992, this peaceful city became a disputed territory between the newly independent Georgia, Abkhaz and Russian forces. I remember seeing something on TV news when I was about twelve years old. For Nata, around the same age as I am, this, and her family lost almost everything: their house, the backyard, and even her dog. Nata said how they could take only a very few photographs with them, as they thought it was going to be temporary. But this Georgia-Abkhaz war resulted in about 250,000 Georgians being displaced from their homes and never being allowed to return to their hometown since.

 

Twenty-five years later, I met Nata in Tbilisi. I saw her photographs first and wanted to know more. At first, the impression of Georgia hit me hard. Georgia is a country at the intersection of Europe and Asia and had possessed rich and diverse histories, stacked on top of each other. With Georgia’s own rich tradition with its language and writing, the traces of the Soviet era and the newly found influx of capitalism, the city was a real palimpsest of architecture and culture, a cacophony of different influences.

 

“Broken Sea was a significant project for me because it was a very autobiographical project for me. But it was also important for me as it was very conceptual and intimate.”

  

She poured wine into the glass. She offered me a glass, but I shook my head, urging her to continue talking about the Broken Sea project that had made me ask the gallerists (fabulous Natia and Salome of Project ArtBeat) to introduce Nata to me.

 

“It was about three years ago. I did a workshop with Antoine d’Agata, my favourite photographer. There I met Irina Sadchikova, my Russian collaborator. It was in 2016 during Tbilisi Photo festival.”

She typed the name Irina Sadchikova for me on my laptop.

“This workshop was really, really special. Very special for us. We asked a lot of questions to ourselves. It was discovering ourselves. Do you know Antoine d’Agata’s work? All the people I met there became so special. The way Antoine led us was very special.”
I nodded and asked her to give me an example of why the workshop was so special. Nata said “For the first day, we had to go and shoot something in the city. We did not know what to shoot.”

As Nata was already a very proficient photographer, having started in 2006 so with a decade of working until her belt, what he asked seemed to be reverse engineering.

 

“He asked us to go to the public baths and take selfies there. It was shocking for us. You do not know each other yet to go to the public baths and undress in front of each other? We made some portraits there. He opened us, in this way, freed us.”

Stephanie : “Was that the first day?”
Nata: “No, the second day. He then asked us about our problems, our fears.”

Stephanie Seungmin: “What was your fear?”

Nata replied:
“During the workshop, I realised that my fear was of losing things. Because all my life, I am losing something. It could be just a small key or unimportant things, or my home. I have this fear. After this workshop, I made a Broken Sea project. It made a difference. He showed us which way to go.”

I nodded, and this time poured wine into my glass.
Nata and Irina. They became friends, and while they were chatting, Nata mentioned how she had never been back to her hometown for 25 years. It was Irina’s idea to go there to shoot the photos and to send the film back to Nata. Nata was to add photographs of her other daily lives to the physical film that Irina shot. Using double exposures, each film was layered time, conjured memories of the two. When they were developed, they were surprised how coincidental the chances were. There were water and fire overlapping — how the double memory worked.

“Can I see them?”

This is how I came to see these photographs that trespassed across the border and trauma.

It was a sheer joy to see the enchanting double exposures from this artistic friendship. I saw Sukhumi overlapping with Tbilisi. I found them incredibly “special” and “intimate”. I could picture how Irina’s eyes were searching for the places her friend had left without saying goodbye. The film carried the wish back to Nata where Nata’s intimate portraits of herself, her daughter and son were imprinted on top of these residues. I believed the pure coincidence of how Nata took a photograph of fire above a film that contained the water(sea) view of the town.

Both of Nata’s parents were doctors. Nata remembered how her father was still wearing a medical gown and a pair of slippers when he joined the family. The photographs of trees, from the Secret Lives of Trees series, seemed to hark back to her childhood memory of being surrounded by medical literature. Somehow the part of the trees she captured looked like human body parts. Once, she led the audience to view the photographs in the dark, only guided by individual night headlamps that each viewer was given to wear. Like doctors examining a body behind curtains, the viewers saw the “intimate” parts of the trees.

So immersed in her world, I added “Trees also don’t change home.”
In response to my comment, Nata laughed and said, “but in my country, trees do change their homes”.

We both laughed.

A contemporary historian from France, Pierre Nora, compiled a series of books on the subject of history and collective memory in the 1980s. His concept of Les lieux de mémoire was translated into numerous languages. The idea was about how certain places have particular importance to a group’s remembrance, and people required these sites. When history was ruptured, and the consistency of past, present and future was shattered, the collective memory needed to reside in specific locations. My running hypothesis aligns with Pierre Nora’s idea in some way because I believe art slows down our haste, our ruptured and disrupted memory. Because art can be so personal and so intimate, art can be stronger than any other testimony.

I loved how the memories of Nata Sopromadze and Irina Sadchikova spoke to me.

By Stephanie Seungmin Kim 

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